<div>&nbsp;</div><div>Mi trabajo desarrolla una investigación y producción, que pone en relación formas de poder y control&nbsp; con ideas como identidad, territorio o migración, explorando como estas relaciones de fricción y fuerza presentan capacidades para definir construcciones afectivas, sociales y políticas tanto en un plano íntimo como económico, mostrándose como representaciones antropológicas de un sistema social actualmente en definición.&nbsp; Simbólicamente hablando, busco a través del campo artístico dar origen y peso a un encadenamiento entre actos, formas, signos e imágenes, re-configurando esta cadena en una producción visual que da cuenta de los procesos latentes de las temáticas abordadas por cada investigación. Así desarrollando piezas que presentan una vena social&nbsp; vinculada a los sistemas económicos y a las relaciones sociales, analizando los desperfectos, la precariedad y el frágil equilibrio de poder existente en las relaciones laborales y la imposición jerárquica de poderes de dominación en el marco del capitalismo Neo-colonial y las imposiciones hegemónicas.<br>&nbsp;</div><div><strong>BIOGRAFÍA&nbsp;</strong></div><div><strong>Estudios</strong></div><div>Licenciado en artes visuales, Universidad Finis Térrae, Santiago, Chile, 2005.</div><div>Magister Universitat de Barcelona, Facultad de Artes&nbsp; “Diseño Urbano, Arte Público", Barcelona, España&nbsp;<br>2016-2018.</div><div>&nbsp;</div><div><strong>Muestras individuales</strong></div><div><strong>2022</strong></div><div>“Proyecto DKK”, OMA Galeria, Santiago Chile.</div><div><strong>2019</strong></div><div>“EVIDENCIA”, PIRA.Espacio, Barcelona. España.</div><div><strong>2018</strong></div><div>“Anexo Metropolitano”, Mario Kreuzberg Gallery, Berlín, Alemania</div><div><strong>2017</strong></div><div>“COSTA” Espai M , La Escocesa,Barcelona, España</div><div><strong>2016</strong></div><div>“MALINCHE”&nbsp; Galeria Sagrada Mercancia, Santiago, Chile</div><div>“127YEN” Centro Cultural Ross , Pichilemu , Chile</div><div><strong>2015</strong></div><div>“MERMA”, Museo de Arte Contemporáneo, Santiago, Chile.&nbsp; &nbsp;</div><div>“Operación Siglo XX” Galería MUTT, Santiago, Chile.</div><div><strong>2013</strong></div><div>“GUILIGAN” Galería Tajamar, Santiago, Chile.</div><div><strong>2012</strong></div><div>“LA FATIGA DE SAN JORGE” Galería Corretger5, Barcelona., España.</div><div><strong>2009</strong></div><div>“CRISIS” Galería Balmaceda Arte Joven, Valparaíso, Chile.</div><div><strong>2008</strong></div><div>“WELCOM WAMACHUCO” Museo&nbsp; Nacional Benjamín Vicuña Mackenna, Santiago, Chile.</div><div><strong>2007</strong></div><div>“Latex &amp; Zapatera” en Traffixxx Gallery, Santiago, Chile.</div><div>&nbsp;</div><div><strong>&nbsp;</strong></div><div><strong>&nbsp;</strong></div><div><strong>Muestras colectivas</strong></div><div><strong>2022</strong></div><div>“PRAETIUM”, Novella Gallery, Valencia España</div><div>“7/PRETIUM”, Matucana 100, Santiago de Chile</div><div><strong>2021</strong></div><div>“Trastienda”, Galería Patricia Ready, Santiago de Chile</div><div>“Tupahue Arte Contemporáneo” Casa San Cristobal, Santiago de Chile.&nbsp;</div><div>“BANANA CRAZE” exhibición colectiva de carcater virtual.&nbsp;</div><div>&nbsp;“Chilean Conexión”, Monopol. Berlin Alemania</div><div><strong>2020</strong></div><div>“LA TORMENTA ”, producida por Deceso Galeria, en Museo Teopanzolco, CDMX Mexico.</div><div>“END RESULT” Acción artística organizada por Deceso Galeria, acción mundial.</div><div>“Chilean Conexión”, Lite –Haus Galeria &amp; Kastanien. Berlin Alemania</div><div>“EL PASTO DEL VECINO”, Encuentro virtual de arte socio politico y pensamiento actual. Organiza Ambos Mundos Arte Actual.</div><div><strong>2019</strong></div><div>“Festival RECREANT RUÏNES”, Fábriuqes de Creació “La Escocesa”, Barcelona- España.&nbsp;</div><div>“Exilioa/Transmigraciones”, Convent Sant Agustí, Barcelona -España</div><div>Premio Internacional de Arte 2019- Fundación María José Joven, La Coruña-España. &nbsp;</div><div><strong>2018</strong></div><div>“Festival RECREANT RUÏNES”,Fábriuqes de Creació “La Escocesa”, Barcelona- España.</div><div>“XIII Premio Arte Jobven MAVI-BHP”, Museo de Artes Visueales , Santiago Chile.</div><div>“Premi internacional de Pintura&nbsp; Fundacio Guash Coranty”, Tecla Sala, Barcelona Espanya.</div><div><strong>2017</strong></div><div>“Festival Lindars”, La Escocesa, Barcelona, España</div><div>ART NOU, Espai M, La Escocesa, Barcelona España</div><div>“Colección MAC, POST 90” Museo de Arte Contemporáneo, Sntiago, Chile</div><div><strong>2015</strong></div><div>“Bienal de artes mediales&nbsp; BVAM”, Santiago,&nbsp; Chile.</div><div><strong>2014</strong></div><div>“MISTER MASTER MONSTER”, Galería Factoria Santa Rosa, Santiago Chile.</div><div>“SUB 30”, Museo de Arte Contemporáneo, Santiago, Chile.</div><div><strong>2013.</strong></div><div>“Paso de Zebra”, Sala de arte Las Condes, Santiago, Chile.</div><div><strong>2012.</strong></div><div>“La Familia Manson”, Espacio Opening, Off Chaco, Santiago, Chile.</div><div><strong>2011</strong></div><div>“PQN+”, Museo de Arte Contemporáneo, sede Quinta Normal, Santiago, Chile.</div><div>2010</div><div>“Virus Debilitado”, Galería Wschodnia, Polonia.</div><div><strong>2009</strong></div><div>“Bajo tierra”, sala Concreta Matucana 100, Santiago , Chile.</div><div>“The Leñadores Proyect”, Galería ANIMAL.Santiago Chile</div><div>“Titulados UFT” Galería Diecke, Santiago Chile</div><div>“Road Trip 1” Salón Tudor, Santiago, Chile</div><div><strong>2008</strong></div><div>“Revell Toi”, festival internacional de Arte Contemporáneo B.A.C, CCCB Barcelona, España.</div><div>“Be long here” en el Centro cultural España, Santiago, Chile.</div><div><strong>2007</strong></div><div>“NO POP” en Galería Moro, Santiago, Chile.</div><div>"INOXIDABLE NEOPOP", Galería Santa fe, Bogotá.</div><div><strong>2006</strong></div><div>“INOXIDABLE NEOPOP", Braga Menéndez, Palermo, Buenos Aires.</div><div><strong>&nbsp;</strong></div><div><strong>Becas / Distinciones</strong></div><div><strong>2022</strong></div><div>Obtención “Fondo Nacional de la cultura y las artes /Regional , área Artes de la Visualidad”</div><div><strong>2021</strong></div><div>Ganador de&nbsp; Nominación al&nbsp; “EFG LATIN AMERICA ART AWARD, in colaboration with ARTNEXUS” en Feria ChaCO.</div><div><strong>2020</strong></div><div>Obtención de “Convocatoria Nacional de adquicición de obras de arte 2020” del Fondo Nacional de la Cultura y las Artes de Chile</div><div>Obtención de Tercer lugar en Concurso de Arte Público de&nbsp; la Comición Nemecio Antunes // Ministerio de Obras Públicas , para el Aeropuerto de Concepción, Carriel Sur.</div><div><strong>2019</strong></div><div>Finalista “Premio Internacional de Arte 2019- Fundación María José Joven”, La Coruña-España. &nbsp;</div><div><strong>2018</strong></div><div>Finalista “Premi internacional de Pintura&nbsp; Fundacio Guash Coranty”, Tecla Sala, Barcelona Espanya.</div><div><strong>2017</strong></div><div>Beca de intercambio de La Escocesa con el centro de creacion Glogauair,Berlin</div><div><strong>2016</strong></div><div>Beca Fondo Nacional de la Cultura y las Artes de Chile (FONDART), En area Becas y Pasantias para realizacion&nbsp; de Posgrado en la Universidad de Barcelona, España.</div><div><strong>2009</strong></div><div>Tercer lugar premio Chandon, barrio joven ARTEBA 2009.</div><div>&nbsp;</div><div><strong>Publicaciones propias</strong></div><div><strong>2020</strong></div><div>Articulo</div><div>&nbsp;<a href="https://nuestrarepublica.org/columna/la-contienda-es-desigual-el-rapto-del-espacio-publico">https://nuestrarepublica.org/columna/la-contienda-es-desigual-el-rapto-del-espacio-publico</a></div><div><strong>2019</strong></div><div>Libro “Arte en el Espacio Público de Chile como Génesis de Memoria Histórica”, Autor José Caerols, Editorial Académica Española, ISBN 978613943371</div><div>Articulo indexado <a href="https://revistes.ub.edu/index.php/waterfront/article/view/22508/23928">https://revistes.ub.edu/index.php/waterfront/article/view/22508/23928</a>&nbsp;</div><div>&nbsp;</div><div><strong>Residencias</strong></div><div><strong>2019</strong></div><div>Fabrica de Creación “La Escocesa”, Barcelona España</div><div><strong>2017</strong></div><div>Glogauair Artist en Residence, Berlin, Alemania</div><div>Fabrica de Creación “La Escocesa”, Barcelona España</div><div><strong>2016</strong></div><div>Sagrada Mercancía, Santiago, Chile</div><div><strong>2014</strong></div><div>Totoral Lab, Algarrobo, Chile</div><div>&nbsp;</div><div><strong>Publicaciones.</strong></div><div><strong>2021</strong></div><div>The Post Traumatic, Periódico de arte, Barcelona (Es), Berlín (De), Londres (Uk).</div><div>Revista Arte Al Limite nº 98, Santiago de Chile</div><div><strong>2017</strong></div><div>Catalogo 10 años Galería Tajamar</div><div><strong>2016</strong></div><div>Catalogo Bienal de Artes Mediales BVAM 2015, Santiago Chile &nbsp;</div><div><strong>2015</strong></div><div>“Construcciones , sistemas y transformaciones”, Santiago, Chile</div><div>“Chile Arte Joven”, Ediciones AAL, Santiago, Chile</div><div>Revista Arte Al Limite nº 74, Santiago de Chile.</div><div><strong>2014</strong></div><div>“SUB 30”&nbsp; Ocholibros, Santiago Chile.</div><div><strong>2011</strong></div><div>“Arte Callejero en Chile” Ocho libros, Santiago, Chile.</div><div>“Nuevo Mundo, Latin Amercican Street Art”, Gestalten Exploring Visual Culture, Berlin, Alemania.</div><div><strong>2010</strong></div><div>- “Revisión Técnica”, Pintura Contemporánea Chilena 1980-2010, Ocholibros, Santiago, Chile.</div><div><strong>2008</strong></div><div>- “Ojo Latino”, Skira, Milan.</div><div>- “La tarde que compre la vida sexual de Catherine, M,&nbsp; veintidós átomos pornográficos ilustrados”, Editorial Tintas Alternativas, Barcelona, España.&nbsp;</div><div>-”Street Art Chile2, Eight Books, Londres.</div><div><strong>2007</strong></div><div>- “Neopop , tendencias visuales en Ibero América”, Midia comunicaciones, Santiago.</div><div>2005</div><div>El libro del graffiti, Santiago, Chile.</div><div><strong>&nbsp;</strong></div><div>&nbsp;</div><div><strong>E x p e r i e n c i a&nbsp; L a b o r a l</strong></div><div><strong>2020</strong></div><div>-Profesor titular en Seminario teórico “Arte, Espacio Público y Pensamiento Critico”&nbsp;</div><div>8º Semestre Universidad Finis Terrae, Facultad de Artes Visuales, Santiago de Chile.</div><div><strong>2019</strong></div><div>-Altiplans “Espai public i us critic”, en Fabrica de Creacio “La Escocesa”, Barcelona España.</div><div><strong>2014</strong></div><div>-Profesor titular OD, en Universidad del Desarrollo, Pintura Creativa, de Picasso a Warholl. Facultad de Arquitectura y Arte.</div><div><strong>2013</strong></div><div>-Profesor titular en Universidad del Desarrollo , taller Pintura II Facultad de Arquitectura y Arte</div><div>-Profesor titular en Universidad del Desarrollo , taller Pintura I Facultad de Arquitectura y Arte</div><div><strong>2012</strong></div><div>-Profesor titular en Universidad del Desarrollo en curso Pintura I Facultad de Arquitectura y Arte</div><div>-Profesor titular en Universidad del Desarrollo en curso Pintura II Facultad de Arquitectura y Arte.</div><div><strong>2011</strong></div><div>-Profesor titular en Universidad Finis Terrae en seminario “Muralismo e intervención publica hoy”.</div><div>-Clases intensivas de verano en “Balmaceda 1215”, taller de ARTE URBANO, profesor titular.</div><div><strong>2010</strong></div><div>-Work shop “Tendencias plásticas urbanas, su desarrollo y origen”, Universidad del&nbsp;</div><div>Desarrollo.</div><div>&nbsp;</div><div><br></div>

Jose Yisa, Artista e investigador visual, Santiago de Chile, 1984.

<div>PRETIUM.</div><div>El cortometraje de título "Pretium" (valor de cambio) se da de la mano con la frase archiconocida de "panem et circenses". Hipnotizados ante un circo de consumo sin poder detectar que somos vigilados y apuntados con un arma preparada para disparar en cualquier momento. Un gatillo que está latente en todo el cortometraje. No sabemos dónde está porque nos han hecho dudar de si realmente puede existe tanta maldad. ¿Hay un modo de aprender a mirar sin que eso suponga un suicidio? YISA nos dice que sí, pero no sin el compromiso y la fuerza que nos empujó una vez a creer en un caballo con un cuerno en la cabeza de sangre mágica.</div><div>&nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp;Sergio Martín PhD en Bellas Artes, UPV.</div><div>“PRETIUM// crónicas de una muerte anunciada” es una instalación que mediante una propuesta visual, sensorial y lúdica introduce al espectador a un contexto distópico, donde el relato presentado mediante una instalación compuesta por piezas video se construye a través de la mescla de trozos de estas&nbsp; cual dj, ahondando en la realidad distopica presentada en estas películas seleccionadas&nbsp; para un momento “futuro” el cual ya se encuentra pasado. Proponiendo y cuestionando la misma producción artística audio visual en su capacidad histórica y visionaria.</div><div>Proyecto audiovisual conformado por una multi proyección de 7 set de trozos de películas con sus respectivos sonidos sonando en un orden entrópico donde sonido e imagen se constituyen como una propuesta envolvente e inmersiva.</div>

2022.

PRETIUM

<div>Mi primera columna para "Nuestra República" revista especializada en&nbsp; Derechos Humanos, Ecología, Justicia Social y Democracia.<br><a href="https://nuestrarepublica.org/columna/la-contienda-es-desigual-el-rapto-del-espacio-publico">Enlace</a></div>

Revista 2021

La contienda es desigual // El rapto del espacio público…

<div><strong>Declaración de artista.<br></strong><br></div><div>Mi trabajo desarrolla&nbsp; una investigación y producción que pone en relación formas de poder y control&nbsp; con ideas como identidad, territorio o migración, explorando como estas relaciones de fricción y fuerza presentan capacidades para definir construcciones afectivas, sociales y políticas tanto en un plano íntimo como económico, mostrándose como representaciones antropológicas de un sistema social actualmente en definición.&nbsp; Simbólicamente hablando, busco a través del campo artístico dar origen y peso a un encadenamiento entre actos, formas, signos e imágenes, reconfigurando esta cadena en una producción visual que da cuenta de los procesos latentes de las temáticas abordadas por cada investigación. Así desarrollando piezas que presentan una vena social&nbsp; vinculada a los sistemas económicos y a las relaciones sociales, analizando los desperfectos, la precariedad y el frágil equilibrio de poder existente en las relaciones laborales.<br><br></div><div><strong>C.V<br></strong><br></div><div><strong>Estudios<br></strong><br></div><div>Licenciado en artes visuales, Universidad Finis Térrae, Santiago, Chile, 2005.<br><br></div><div>Magister en “Diseño Urbano, Arte, Ciudad y Sociedad”, Universitat de Barcelona, Barcelona, España 2016-2018.<br><br></div><div><strong>Actualmente<br></strong><br></div><div>Docente&nbsp; de Universidad Finis Terrae de Santiago de Chile, dictando el curso “Arte, Espacio Público y Pensamiento Critico”. (2020)<br><br></div><div><br></div><div><strong>Muestras individuales<br></strong><br></div><div>2019<br><br></div><div>“EVIDENCIA”, PIRA.Espacio, Barcelona. España.<br><br></div><div>2018<br><br></div><div>“Anexo Metropolitano”, Mario Kreuzberg Gallery, Berlín, Alemania<br><br></div><div>2017<br><br></div><div>“COSTA” Espai M , La Escocesa,Barcelona, España<br><br></div><div>2016<br><br></div><div>“MALINCHE”&nbsp; Galeria Sagrada Mercancia, Santiago, Chile<br><br></div><div>“127YEN” Centro Cultural Ross , Pichilemu , Chile<br><br></div><div>2015<br><br></div><div>“Operación Siglo XX” Galería MUTT, Santiago, Chile.<br><br></div><div>2013<br><br></div><div>“GUILIGAN” Galería Tajamar, Santiago, Chile.<br><br></div><div>2012<br><br></div><div>“LA FATIGA DE SAN JORGE” Galería Corretger5, Barcelona., España.<br><br></div><div>2009<br><br></div><div>“CRISIS” Galería Balmaceda Arte Joven, Valparaíso, Chile.<br><br></div><div>2008<br><br></div><div>“WELCOM WAMACHUCO” Museo&nbsp; Nacional Benjamín Vicuña Mackenna, Santiago, Chile.<br><br></div><div>2007<br><br></div><div>“Latex &amp; Zapatera” en Traffixxx Gallery, Santiago, Chile.<br><br></div><div><br></div><div><strong>Muestras colectivas<br></strong><br></div><div><strong>2019<br></strong><br></div><div>“Festival RECREANT RUÏNES”, Fábriuqes de Creació “La Escocesa”, Barcelona- España.<br><br></div><div>“Exilioa/Transmigraciones”, Convent Sant Agustí, Barcelona -España<br><br></div><div>Premio Internacional de Arte 2019- Fundación María José Joven, La Coruña-España.&nbsp;<br><br></div><div>2018<br><br></div><div>“Festival RECREANT RUÏNES”,Fábriuqes de Creació “La Escocesa”, Barcelona- España.<br><br></div><div>“XIII Premio Arte Jobven MAVI-BHP”, Museo de Artes Visueales , Santiago Chile.<br><br></div><div>“Premi internacional de Pintura&nbsp; Fundacio Guash Coranty”, Tecla Sala, Barcelona Espanya.<br><br></div><div>2017<br><br></div><div>“Festival Lindars”, La Escocesa, Barcelona, España<br><br></div><div>ART NOU, Espai M, La Escocesa, Barcelona España<br><br></div><div>“Colección MAC, POST 90” Museo de Arte Contemporáneo, Sntiago, Chile<br><br></div><div>2015<br><br></div><div>“Bienal de artes mediales&nbsp; BVAM”, Santiago,&nbsp; Chile.<br><br></div><div>“MERMA”, Bipersonal en Museo de Arte Contemporáneo, Santiago, Chile. &nbsp;<br><br></div><div>2014<br><br></div><div>“MISTER MASTER MONSTER”, Galería Factoria Santa Rosa, Santiago Chile.<br><br></div><div>“SUB 30”, Museo de Arte Contemporáneo, Santiago, Chile.<br><br></div><div>2013.<br><br></div><div>“Paso de Zebra”, Sala de arte Las Condes, Santiago, Chile.<br><br></div><div>2012.<br><br></div><div>“La Familia Manson”, Espacio Opening, Off Chaco, Santiago, Chile.<br><br></div><div>2011<br><br></div><div>“PQN+”, Museo de Arte Contemporáneo, sede Quinta Normal, Santiago, Chile.<br><br></div><div>2010<br><br></div><div>“Virus Debilitado”, Galería Wschodnia, Polonia.<br><br></div><div>2009<br><br></div><div>“Bajo tierra”, sala Concreta Matucana 100, Santiago , Chile.<br><br></div><div>“The Leñadores Proyect”, Galería ANIMAL.Santiago Chile<br><br></div><div>“Titulados UFT” Galería Diecke, Santiago Chile<br><br></div><div>“Road Trip 1” Salón Tudor, Santiago, Chile<br><br></div><div>2008<br><br></div><div>“Revell Toi”, festival internacional de Arte Contemporáneo B.A.C, CCCB Barcelona, España.<br><br></div><div>“Be long here” en el Centro cultural España, Santiago, Chile.<br><br></div><div>2007<br><br></div><div>“NO POP” en Galería Moro, Santiago, Chile.<br><br></div><div>"INOXIDABLE NEOPOP", Galería Santa fe, Bogotá.<br><br></div><div>2006<br><br></div><div>“INOXIDABLE NEOPOP", Braga Menéndez, Palermo, Buenos Aires.<br><br></div><div><strong>&nbsp;<br></strong><br></div><div><strong>Becas<br></strong><br></div><div><strong>2017<br></strong><br></div><div>Beca de intercambio de La Escocesa con el centro de creacion Glogauair,Berlin<br><br></div><div><strong>2016<br></strong><br></div><div>Beca Fondo Nacional de la Cultura y las Artes de Chile (FONDART), En area Becas y Pasantias para realizacion&nbsp; de Posgrado en la Universidad de Barcelona, España.<br><br></div><div><strong>Residencias<br></strong><br></div><div><strong>2019<br></strong><br></div><div>Fabrica de Creación “La Escocesa”, Barcelona España<br><br></div><div>2017<br><br></div><div>Glogauair Artist en Residence, Berlin, Alemania<br><br></div><div>Fabrica de Creación “La Escocesa”, Barcelona España<br><br></div><div>2016<br><br></div><div>Sagrada Mercancía, Santiago, Chile<br><br></div><div>2014<br><br></div><div>Totoral Lab, Algarrobo, Chile<br><br></div><div><br></div><div><strong>E x p e r i e n c i a L a b o r a l<br></strong><br></div><div>2014<br><br></div><div>Profesor titular OD, en Universidad del Desarrollo, Pintura Creativa, de Picasso a Warholl. Facultad de Arquitectura y Arte.<br><br></div><div>2013<br><br></div><div>Profesor titular en Universidad del Desarrollo , taller Pintura II Facultad de Arquitectura y Arte<br><br></div><div>Profesor titular en Universidad del Desarrollo , taller Pintura I Facultad de Arquitectura y Arte<br><br></div><div>2012<br><br></div><div>Profesor titular en Universidad del Desarrollo en curso Pintura I Facultad de Arquitectura y Arte<br><br></div><div>Profesor titular en Universidad del Desarrollo en curso Pintura II Facultad de Arquitectura y Arte.<br><br></div><div>2011<br><br></div><div>Profesor titular en Universidad Finis Terrae en seminario “Muralismo e intervención publica hoy”.<br><br></div><div>Clases intensivas de verano en “Balmaceda 1215”, taller de ARTE URBANO, profesor titular.<br><br></div><div>Creador, director y productor de “Espacio Opening” (www.espacioopening.blogspot.com)<br><br></div><div>2010<br><br></div><div>Work shop “Tendencias plásticas urbanas, su desarrollo y origen”, Universidad del<br><br></div><div>Desarrollo.<br><br></div><div>Codirector y productor de “Espacio Opening” (www.espacioopening.blogspot.com).<br><br></div>

inicio

<div>"El cuerpo como disputa de territorio".<br>&nbsp;2012.<br><br>Falta bajada teorica y descripción tecnnica añio tamaño tipo de eimprecion cantidad de serie</div>

CUERPO.

<div>&nbsp;</div><div>PROYECTO FUTURO.&nbsp;</div><div>&nbsp;<br>Actualmente las ciudades han desatendido el espacio público, convirtiéndolo&nbsp; en un lugar hostil para el ciudadano, quien no puede más que percibirlo como “máquina de habitar” o de “producir”. En consonancia con los deseos de inmobiliarias y proyectistas urbanos, sabemos que es sobre todo el lugar del consumo y la producción masiva de mercancías tanto materiales como inmateriales. La presión sobre el entorno se produce en una escala cada vez mayor, acentuándose la concentración y las hegemonías del mercado en un proceso que converge con la incapacidad de la ciudad para dar una respuesta proporcional a los nuevos desafíos urbanísticos, arquitectónicos y mucho más importante, de “identidad sociocultural”.&nbsp;</div><div>&nbsp;El espacio público es continuamente arrasado por una colonización publicitaria –(auténtico arte público de nuestra época, según algunos algunos críticos)- que nos bombardea con conceptos e imágenes que invaden la ciudad, conformando un paisaje visual urbano mercantilizado y estandarizado. Esta aparente despolitización del espacio público y su esfera no es ni casual ni desintencionalizada, como acertadamente indicó Jürguen Habermas, “La reacción burguesa contra ese proceso -escribe el filósofo alemán- evidencia que el carácter impolítico con el que surge la estructura de la publicidad, de la esfera pública, no era&nbsp; inocente: sino plenamente instrumentada por los intereses de dominación de la clase entonces en ascenso”.&nbsp;</div><div>De este modo, vemos como todos existimos en un proceso continuo de “territorialización” y “re-territorialización” donde no hay solución de continuidad entre individuos y hábitat. Dichas transformaciones, que nos enfrentan directa o indirectamente a cuestiones relacionadas con los procesos y proyectos&nbsp; que habitan el espacio público, están siempre ligadas a la construcción y conceptualización de este mismo y sus consecuencias. La ciudad se presenta entonces como un espacio lleno de imposiciones -urbanísticas, civiles, sociales…- pero también como un espacio lleno de posibilidades.Proyecto Futuro consiste en una serie de intervenciones públicas realizadas mediante la utilización de carteles publicitarios como soporte, a través de los cuales propongo reflexionar acerca, en y desde este soporte&nbsp; como expresión de un territorio claramente delimitado que arroja luz sobre las relaciones de poder existentes en el marco de la vida urbana.&nbsp; La intervención se presenta al viandante desde el espacio de las promesas y de la tiranía de la cosa ofrecida, desde&nbsp; el lugar de las mentiras cotidianas, de las sonrisas perfectas y las familias de postal, el lugar desde donde se manipulan conscientemente los mecanismos inconscientes del deseo. Esta propuesta plantea un debate crítico acerca de los mecanismos y formas de dominio colectivo usados para&nbsp; modelar&nbsp; percepciones y prioridades sociales, las cuales generan&nbsp; imaginarios comunes que nos conducen a ideales ficticios e innecesarios. En palabras de Fernando Gómez Aguilera, “el diálogo espacial que entabla el arte público es también e inherentemente social y político”. Así a través de la utilización de&nbsp; las vallas publicitarias como soporte se instalan en ellas los conceptos “Futuro, Progreso y Éxito”- promesas capitalistas que sustituyen la alegoría popular “Libertad, igualdad, fraternidad”, conjugadas&nbsp; con tres conjuntos pictóricos respectivamente:&nbsp; “La&nbsp; Balsa de la Medusa de Théodore Géricault, La Fundación de Santiago por Pedro de Pedro Lira y distintas pinturas de castas de los siglos XVI y XVII.&nbsp;<br><br>Ficha tecnica de Imágenes:<br><br></div><div>2-4)<strong>Proyecto FUTURO/1Acto </strong>: Proyección continua de 3 conceptos realizadas sobre contra cara de carteles publicitarios, duración de intervención 1hora. Barcelona, 2019.&nbsp;</div><div>5-7)<strong>Proyecto FUTURO/2Acto</strong>: Proyección continua de 3 imágenes&nbsp; realizadas sobre contra cara de carteles publicitarios, duración de intervención 1hora. Barcelona, 2019.&nbsp;</div><div>8-11)<strong>Proyecto FUTURO/3Acto</strong>: Dos proyecciones simultáneas y continuas sobre contra cara de carteles publicitarios, duración de intervención 1hora. Barcelona, 2020.&nbsp;</div><div>12) <strong>Proyecto FUTURO/4Acto</strong>: Intervención de soporte publicitario mediante imagen impresa , 3m x 8m. Valencia, 2019.&nbsp;</div><div>13-14) <strong>Escultura Publicitaria</strong>, 4.6m x 3.4m, Estructura de acero, traspaso fotográfico,&nbsp; plancha de Zinc y Esmalte. 2019.<br> 15) Serigrafía en un color 2020.<br>16) Risografía a dos colores&nbsp; 2019.&nbsp;</div><div>17-19) Registro de intervenciones.&nbsp;</div><div>&nbsp;</div><div><br></div><div><br></div><div><br></div><div><br></div><div><br></div><div><br></div><div><br></div><div><br></div><div>&nbsp;<br><br></div><h1><br></h1><h1><br></h1><div><br></div><div><br></div><div><br></div><div><br></div><div><br></div><div><br></div><div><br></div><div><br></div><div><br></div><div><br></div><div><br></div><div><br></div>

Proyecto FUTURO

<div><a href="https://artontrial.com/">Enlace</a></div>

 Proyecto DKK

Revista ART ON TRIAL , 2022.

<div>PRAETIUM 1/7 es una de las 7 proyecciones que componen la instalación audiovisual del mismo nombre donde mediante el ejercicio del Dj de imágenes y la yuxtaposición conceptual y visual de las misma se genera una instalación de caracter inmersiva<br><a href="https://vimeo.com/manage/videos/770966613">Enlace</a></div>

Pieza, 2022.

PRAETIUM 1/7

<div>Proyecto FUTURO, es una investigación y posterior producción de intervenciones publicas iniciadas en Barcelona España en Septiembre del año 2018 y que tiene su última versión en Abril del año 2022 en Santiago de Chile, destacando&nbsp; esta última por su caracter de sitio especifico dictaminado por detalles como la construcción del cartel mismo donde se presenta la pieza o las luces en Neón que la hacen participar de una lógica publicitaria especifica de la zona.<br><br><a href="https://vimeo.com/manage/videos/751444747">Enlace</a></div>

Registro, 2022.

Proyecto FUTURO .

<div>Revista Arte Al Limite <strong>AAL.<br></strong>Santiago de Chile, Mayo-Agosto / 2021, #98. <br>ISSN0719-2878<br>Revista de Arte Contemporáneo Latino Americano. <br><br><a href="https://www.arteallimite.com/2021/06/10/revista-98/">Enlace a revista digital</a></div>

Revista, 2021.

<div>Sobre exhibición <strong><em>MALINCHE</em></strong>, Santiago de Chile, 2016.<br><br></div><div>La calle Sazié es un perímetro con memoria: remite a uno de los cuatro lados que enmarcan el barrio que a mediados del siglo XIX recibió a la mayoría de los inmigrantes que llegaron del campo. De alguna manera es un barrio dialéctico, que anuda en sus alrededores las costumbres heredadas de una serenidad rural perdida con el trajín del comercio urbano y el posterior alboroto de la vida universitaria. A cierta altura de esa calle está la galería <em>Sagrada Mercancía</em>, donde Yisa, quien llegó al mundo del arte devolviendo con sus primeros <em>graffitis<br></em>un rumor a los muros dormidos, acaba de cursar una residencia de cuyo proceso atestigua por medio de una solución notable.<br><br></div><div>De esa solución lo menos que puede decirse es que deriva de una lectura inquieta y atenta del contexto en el que la galería se emplaza, como si en sus áreas lindantes pesquisara el artista los elementos encapsulados que forman parte de un destino mayor: el destino latinoamericano. En realidad no se podría haber cumplido mejor con aquello que se espera de una residencia de artista. En la inmediatez del entorno, en las edificaciones vecinas, en las vidas que deambulan incautas por las veredas excavó Yisa los documentos y materiales con los que diseñó su mirada personal sobre ese destino. Es un destino que se mece, que oscila, una cruza heterogénea que la palabra que da título a la obra abrevia de manera impecable: <strong>"MALINCHE”.</strong><br><br></div><div>¿Malinche? El vocablo, como cualquiera sabe, rememora el encuentro doloroso entre dos universos culturales distantes del que terminó por resultar un tercero, motivo por el que el vocablo en cuestión es un híbrido en sí mismo, en el sentido de haber nacido tocado ya por la vara de una irreversible impureza. Esa impureza es el envés sucio y gozoso de todos los fetichismos (¿de todas las mercancías sagradas?), el paraíso de lo abierto en el que solo saben reinar bien los pobres, los perros, los niños. En la punta de ovillo de ese universo libre e infantil resplandece la hibridez de las cosas, un concepto que se ajusta a la perfección desde hace ya décadas a la experiencia latinoamericana.<br><br></div><div>Esa experiencia Yisa la retrata por medio de tres ejercicios visuales de gran calado que se reparten triangularmente el espacio. Al fondo de la sala se ven a media luz las velas vencidas y desgarradas de las batallas inútiles de otros siglos: las velas son trozos de carne que cuelgan de los hombros cansados de la historia, esos trozos se hunden después en un mar de aceite quemado que devuelve, invertida por el reflejo, la imagen de la catástrofe que dio pie al destino. Al costado derecho se ve a la vez un muro tapizado de punta a punta por bolsas abiertas de sacos de maíz: el maíz habla de la promesa que siguió a aquella catástrofe, corrige un destino aciago, recuerda el trabajo del labrador, la felicidad de la cosecha, la abundancia discreta con la que irrumpió un día el pueblo en la solemnidad de la historia. Al costado izquierdo, por último, se ve una pequeña maqueta levantada con ladrillos que invoca un mundo a medio hacer: es el ocaso de los blocks o de los palomares, el interior húmedo de los <em>ghettos</em>donde sobreviven los hijos mestizos de la adversidad y el augurio.<br><br></div><div>Cada uno de los ejercicios visuales elaborados por Yisa remiten a la vez a una geografía precisa: la del mar, la del campo, la de la ciudad. Esas geografías se entretejen al interior de la sala como se entretejen en Sudamérica o en las calles del barrio los “originales” del destino. No es posible que una vida, cualquiera sea, no esté marcada por alguna de estas tres locaciones. Mujeres y hombres provenimos del mar, provenimos del campo o provenimos de la ciudad, lo que lleva por cierto a que Yisa les brinde a cada uno de esos espacios soluciones visuales distintas: a los episodios del naufragio en el mar corresponde una solución de carácter escenográfico, mientras que corresponde una de carácter pictórico o bidimensional a los del maíz y una de carácter escultórico a los de los blocks.<br><br></div><div>Las soluciones (por llamarlas de alguna forma) se triangulan o se superponen, ofreciendo en conjunto una matriz de legibilidad sobre el mestizaje que no alude a un tiempo intangible, sino que se torna palpable en la anímica material del entorno: los hombres llegaban del campo en busca de nuevos horizontes; dejaban atrás el maíz mientras los trenes partían al mar de noche, envueltos en nubes de vapor y repletos de pasajeros probos. Entre los campos sembrados de ayer y la promesa turística de un mar depurado de memorias y de catástrofes, crecían en los alrededores tristes los blocks destartalados que a uno de los lados de la sala la maqueta reconstruye.<br><br></div><div>Malinche o malinchismo entonces son los nombres adecuados para una obra dialéctica o pensativa cuyo proceso, rumiado y expuesto por el artista, suspende la primacía de un mundo por sobre otro para exhibir la argamasa en la que sobrevive el drama de la cultura. Es un drama apagado, hecho de hilos sutiles que se enhebran delicadamente en la penumbra: la novela del maíz, el naufragio de las embarcaciones, la sonrisa amarga de los edificios arrumbados, las utopías, los huesos y los ocasos, y los hechos de gentes a los que el artista observa de reojo sentado en una cuneta, con una cerveza en la mano, tan atento a ese ajetreo inmediato y sencillo como indiferente a si llegan o no llegan de una vez por todas las grandes historias.<br><br><a href="https://vimeo.com/manage/videos/200592363">Registro audio-visual de exhibición</a><br><br>Ficha técnica de imágenes:<strong><br><br></strong>1) Imagen de la Malinche extraída del Mural de Diego Rivera.<br><br>2) Invitación de exhibición<br><br></div><div>3) <strong>EL ARRIBO / </strong>Instalación. Pintura y gastado sobre lona, soga, 240 L. aceite quemado,200kg ripio y maderos. Vol. 90m3<br><a href="https://www.joseyisa.com/textos/el-arribo-3c9212ab-e55e-4bcb-9aa5-c5312a5cc541">Texto </a>&nbsp;<br><a href="https://vimeo.com/manage/videos/197111512">Registro audiovisual de pieza</a><br><br></div><div>4) <strong>MAÍZ HÍBRIDO /&nbsp; </strong>Instalación.&nbsp; Sacos de maíz 18 mt2. Medidas variables.<br><a href="https://www.joseyisa.com/textos/mural-maiz-hibrido">Texto</a><br><br></div><div>5) <strong>PUKARÁ /</strong> Escultura. Ladrillo princesa y cadena de acero. Medidas variables.<br><a href="https://www.joseyisa.com/textos/pucara">Texto</a><br><br></div><div>6) Juegos de Territorio /Mesa de Ping Pong intervenida mediante cambio de estructura y gráfica.<br><br></div><div>7) Serigrafía sobre papel de algodón 100cm x 70 cm, simulación de saco de maíz híbrido. &nbsp;<br><br></div><div>8) Ilustración de Mito Popol Vuh de creación del hombre.<br><br></div><div>9) Referencia de arquitectura de supervivencia Latino Americana.&nbsp;<br><br></div><div>10) Emblema de la Escuela del&nbsp; Sur, creado por Joaquín Torres García.<br><br></div><div>11-17) Registro de proceso de residencia en espacio Sagrada Mercancía .</div>

Por Federico Galende

YISA, EL RESIDENTE INQUIETO

<div><br></div><div>“Simbología de lo Ajeno”, es una pieza que se presenta ante el espectador como un hallazgo antropológico , una taya en piedra&nbsp; con simbología misteriosas nos permiten viajar en la idea de la significante de tal concepto..... <br><br>Serie conformada por 14 tallados sobre azulejos de pizarra encontrados . 25cm x 25cm c/u, 2019.<br><a href="https://www.joseyisa.com/textos/simbologia-de-lo-ajeno-c2eb438e-d303-4207-9bb2-3a07faf2a301"><br>Texto.</a><br><br></div>

Simbología de lo AJENO 

<div><a href="https://artishockrevista.com/2022/04/21/yisa-arte-sucio-arte-sensible/">Enlace</a></div>

Entrevista sobre 10 años 

Revista Artishock , 2022.

<div>DKK consiste en una investigación de producción que tiene por norte los dominios hegemónicos establecidos y realizados desde el espacio público poniendo principal interés en la colonización publicitaria.<br>Así mediante los ejercicios de abstrae y re-configura conocidos isotipos de transnacionales inculcadas en nuestro diario vivir y que mediante la colonización publicitaria abarcan y ocupan nuestro inconsciente.<br>&nbsp;Referenciando a Juan Acha mi aproximación al ejercicio de abstracción geométrica se refiere a los problemas específicos de la creación artística en Latinoamérica desde una perspectiva que englobaba la crítica al capitalismo, la relevancia de lo político y la fractura cultural de la modernidad sobre el mundo indígena. Citando así el ensayo “Pensar el arte desde América Latina”, donde J.A defendía la necesidad de mirar la tradición visual latinoamericana desde sus raíces intelectuales geométricas y abstractas, o el deseo de racionalidad en el arte latinoamericano, como respuesta desde lo estético a los problemas del subdesarrollo, así vemos que esta serie tiene una directa relación con la investigación planteada en la pieza Maíz Hibrido 2017 /Maíz hibrido II2018,al mismo tiempo que se configura como una segunda parte o continuidad de la investigación planteada en Proyecto FUTURO donde se cuestiona el espacio público el inconsciente y el dominio consiente establecido por la colonización publicitaria.</div><div>Así DAS KAPITAL KUNST tiene como origen de producción el Año 2020 teniendo su primera aparición durante la Feria Ch.ACO siendo ganadora de la Nominación al&nbsp; “EFG LATIN AMERICA ART AWARD, in colaboration with ARTNEXUS” (pinturas mas tarde exhibidas dentro de la exhibición colectiva “Trastienda” en Galería Patricia Ready) para luego tener una continuidad en la Exhibición TUPAHUE con la pieza “Propuesta TOYOTA, Ideas sobre Paisaje, Ruta y Territorio”, continuado con&nbsp; la exhibición individual en OMA Galería “Proyecto DKK” (2021)&nbsp; donde la investigación se maximizo y expandió a diferentes formatos (pintura, video, animación, grafica, instalación) siendo presentada parte de esta Junto a XIII Arte Contemporáneo en Feria SWAB Barcelona, para finalizar con 2exhibiciónes el año 2023, la primera&nbsp; en Galería TIM Santiago de Chile y la Segunda en Madrid España.</div>

2020-2023

DAS KAPITAL KUNST

<div>Investigación visual que pone en relación conceptual e histórica el “PLAN CONDOR” y la industria pornográfica de los 80-90.</div><div><strong>“El Vuelo del Cóndor “,</strong> 12 collage 30cm x&nbsp; 24.5cm , 2019.</div><div><strong>“El Vuelo del Cóndor II</strong>”, 3 Calado / Collage sobre impresión libre de acido en papel de algodón 300gr, 1.60cm x 1.20cm C/U, 2020.<br><br><a href="https://www.joseyisa.com/textos/el-vuelo-del-condor-aa405635-442d-4fc5-9a64-f2b72b95586e">Texto</a></div>

Series realizadas 2019/2020.

EL VUELO DEL CONDOR

<div>Participación por invitación a POST TRAUMATIC 2 "TODO BIEN", 2021.<br>Periódico de Artistas editado en Barcelona España y distribuido a nivel mundial .<br>Publicación de artistas que desde el formato del periódico rellena los espacios de publicación con intervenciones de artistas, trasformandose en un formato tanto discursivo como una pieza.<br>Para este mismo se me invita a participar en "INTERNACIONAL", para donde realizo en especifico la pieza"Hic Sunt Serpent", en alegoría la la construcción de identidad y de l mito desde la cartografía del dominio colonial.</div>

Periodico, 2021.

POST TRAUMATIC

<div><em>“Igual que en la vidriera irrespetuosa de los cambalaches, se ha mezclao la vida, y herida por un sable sin remaches ves llorar la Biblia junto a un calefón...".&nbsp;</em></div><div><em>&nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp;Tango argentino compuesto en 1934 por Enrique Santos Discépolo<br></em><br></div><div>Nos sabemos rodeados de basura, tanto material como simbólica: comida basura, telebasura, correo basura, basura espacial, empleo basura...&nbsp; Atrapada entre el pasado y el presente, la chatarra es demasiado vieja como para mantener su valor de uso pero todavía demasiado joven como para ser elevada en el pedestal de lo antiguo. Por eso, operar con con aquello <em>desvalorizado y despreciado</em>, con los detritus de la vida urbana,<em> </em>se convierte inevitablemente en gesto político y herramienta histórico-filosófica. El objeto desechado y recuperado participa de un momento limítrofe que hackea las lógicas del capital.<br><br></div><div><br></div><div>En la serie iniciada en Berlín, <strong>Yisa</strong> construye dispositivos estético-conceptuales que ponen en práctica la poética preconizada por el Conde de Lautréamont con su «bello como el encuentro fortuito, sobre una mesa de disección, de una máquina de coser y un paraguas».&nbsp; Sus esculturas funcionan como ejercicios paratácticos en los que un único elemento copulativo -la brida- entrelaza objetos extraños entre sí. Esto es, zapato-zapato; cadena-tenedor-tenedor; tablero de ajedrez-sartén…<br><br></div><div><br></div><div>En otra de sus series, <strong>Yisa</strong> conforma sistemas más complejos en los que todo tipo de residuos se adhieren: cascos de moto apilados, tubos fluorescentes que atraviesan colchones, bolsas y umbrellas amontonadas en carritos de supermercado… Se produce entonces un proceso de osmosis en el que los elementos de naturaleza inorgánica, <em>Disjecta membra</em> del Antropoceno, intercambian moléculas significantes. Cada obra deviene una formación entrópica que actúa por adherencias entre las que se establecen flujos, contaminaciones, trasvases. Deleuze llamó agenciamiento a esa relación de co-funcionamiento entre elementos heterogéneos que comparten un territorio. De este modo, el artista ya no es un creador <em>ex nihilo</em> sino un montador, un reciclador de materiales <em>ya hechos, </em>un coleccionista de objetos, un chatarrero<em>.<br></em><br></div><div><br></div><div>Como Duchamp supo ver, lo verdaderamente significante está en aquello <em>infraleve</em>, en los evanescentes actos de la vida cotidiana. También lo intuyó Georges Perec cuando nos animó a fijarnos en “las cosas comunes”. Igual que ellos, <strong>Yisa </strong>nos invita a interrogar el neumático, el balón, el guante, la tabla de planchar.... Al llamar la atención sobre estas ruinas de lo existente aparentemente fútiles, nos recuerda que la basura es materia compleja. Ante todo, ésta implica&nbsp; una categorización ontológica cargada de connotaciones políticas, éticas, ecológicas a la vez que un claro sesgo socioeconómico ¿Qué es la basura? Bajo la lógica capitalista, la basura se convierte alegoría de lo subalterno, de lo otro, de aquello que el sistema rechaza y niega su valor. Restituirla es entonces un acto de resistencia.<br><br><br><br><br></div>

Por Gisella Chillida

NUNCA FUE TAN HERMOSA LA BASURA 

<div><br></div><div>Serie de&nbsp; intervenciones públicas realizadas mediante la utilización de carteles publicitarios como soporte, planteando mediante esta propuesta un debate crítico acerca de los mecanismos y formas de dominio, poniendo en cuestión la temáticas del espacio público y su actual colonización publicitaria como sistema de adoctrinamiento<br>&nbsp;contemporáneo.&nbsp;<br>&nbsp;</div><div><a href="https://www.joseyisa.com/textos/proyecto-futuro-56019b70-eca9-437c-b124-ed0af86d9319">Texto y ficha técnica de imágenes: </a><br>&nbsp;</div>

<div>Zoom de pieza Proyecto FUTURO<br><a href="https://vimeo.com/manage/videos/716138750">Enlace</a></div>

Cartel FUTURO Stgo

<div><a href="http://relievecontemporaneo.com/entre-vista-jose-caerols/">Enlace</a></div>

 Proyecto DKK 

Revista Relieve Contemporáneo, 2022.

<div>Registro Audio Visual centrada en explicar la <br>geólocalización de la pieza "Proyecto FUTURO", Intervención pública en Santiago de Chile 2022, la cual funciona particularmente en esta edición en su contexto particular dado por la zona cero del Estallido Social de Chile del 18/10/2018 "Plaza Dignidad" la cual tambien se caracteriza por ser una zona de vallas publicitarias de gran formato.<br>Director <strong>Rodrigo Alvarez Bolivar</strong><br><br><a href="https://vimeo.com/manage/videos/716137447">Enlace</a></div>

Proyecto FUTURO,Día.

<div><br></div><div><strong>Los NEOSALVAJES</strong>&nbsp;</div><div>Comentarios la investigación de José Caerols.&nbsp;</div><div>&nbsp;</div><div>Bajo el nominativo populista un tanto <em>moderno </em>de Neopovera Latinoamericano se están produciendo en todo el mundo una serie de experiencias de carácter etnográfico plasmadas en representaciones artísticas que, desde la periferia y cargadas de plena contemporaneidad, vendrían a suponer actualizaciones subversivas de la “vanguardia popular”<a href="#_ftn1">[1]</a>, directamente proporcionales a las vanguardias históricas, y que dentro de una estructuración crítica de la historia del arte, podrían ser localizadas en lo que Arthur C. Danto denominaría no hace mucho como parte de un <em>arte posthistórico </em>(Después del fin del arte, 1997).&nbsp;<br><br></div><div>La intención de este proyecto supone un cuestionamiento del arte a nivel contextual en la linde de la historia contemporánea de Latinoamérica, así como la búsqueda de la posibilidad de una estética relacional con el arte global. Desde la pintura.&nbsp;<br><br></div><div>Actualmente el mundo es global y <em>líquido </em>(Zygmunt Bauman), y en el contexto latino e hispanoamericano están sucediéndose permanentes distopías. Una de ellas es la que ejemplifica la reacción al mundo del consumo y los objetos producidos para el consumo desde esa “vanguardia popular”, que no está formada por artistas, sino más bien por <em>mediadores </em>en el sentido de un arte contextual (Paul Ardenne) donde “(...) la evolución de la función de las obras y de su modo de presentación indica una urbanización creciente de la experiencia artística. Lo que se derrumba delante de nosotros es sólo esa concepción falsamente aristocrática de la disposición de las obras de arte, ligada al sentimiento de querer conquistar un territorio. Dicho de otra manera, no se puede considerar a la obra contemporánea como un espacio por recorrer (donde "el visitante" es un coleccionista). La obra se presenta ahora como una duración por experimentar, como una apertura posible hacia un intercambio ilimitado.” Estos artistas, o más bien mediadores, por utilizar un término menos ortodoxo y más contemporáneo, no tratan de romper con el pasado, ni incluso con la historia del arte, sino que tratan por todos los medios de acercarse a la vida a través de la experiencia estética mediante la experiencia vivida del ensayo-error.&nbsp;</div><div>La experiencia de la <em>mundanidad</em> da a este cuerpo expositivo todo su carácter emprendedor y fenomenológicamente adherido a una búsqueda estética también caracterizada por la fisicidad total.&nbsp;</div><div><br><br><a href="#_ftnref1">[1]</a> “Según Bartra, la <em>vanguardia popular</em> está constituida por artistas pertenecientes a una minoría erudita. Estos artistas, conscientes de los problemas sociales de los sectores mayoritarios y mejor posibilitados para acceder a la información por su propia condición de clase, se autoerigen en representantes de estos sectores.” Escobar, Ticio <em>El mito del arte y el mito del pueblo. Cuestiones sobre arte popular</em>, Santiago de Chile, Metales Pesados, 2008, Pp. 120-122: P. 120.&nbsp; &nbsp;&nbsp;</div>

Por Cesar Novella Alba, 2015.

LOS NEO SALVAJES

<div><em>“ARTE EN EL ESPACIO PÚBLICO DE CHILE COMO GÉNESIS DE MEMORIA HISTÓRICA”</em><br><br>Autor: José Caerols / Editorial Académica Española /&nbsp;<br>Año: 2019 &nbsp; ISBN 978613943371<br><br>Esta investigación trata sobre el espacio público y su capacidad de contener la memoria histórica dentro de las prácticas que en el se albergan. Se desarrolla una propuesta que tiene por inicio la definición del espacio de trabajo a nivel global para luego describir las formas de paradigmas artísticos, generando análisis comparativos entre piezas y resultados a través de ejemplos que expliquen las posibilidades disímiles de resultados en un mismo campo de acción, explicación primaria que tiene por norte generar un marco teórico global en relación a estas formas de producción.<br><br>En una segunda instancia nos concentraremos ya en el continente de Estudio Abya Yala o América(nombre colonial) y la forma de producción ligadas a el desarrollo de la memoria histórica que surgen durante el siglo XIX. Se desarrolla así una investigación que primero tiene por temática la estatuaria conmemorativa su tendencia y sus variantes, entendiendo este tipo de producción ligada directamente a la memoria histórica de las nuevas repúblicas del continente y como estas funcionan como símbolos innegables del progreso en los planes de regeneración es urbanas, identidad y dominio de las nuevas clases hegemónicas. Continuando con la influencia continental que ejerce el muralismo mexicano como forma de arte público y de proyección de ideales locales para un segundo periodo idéntitario en toda América latina, así tras este marco teórico enfocado en la producción de memoria histórica en el continente mencionado pasamos a contextualizar el arte público y la memoria histórica en Chile durante la segunda mitad del siglo XX, entendiendo a estos en directa relación de los contextos políticos que en la región suceden, asumiendo el tipo de producción y carga política como una consecuencia directa con el momento histórico propio de donde se desarrollan, para así finalizar el contexto histórico particular de las prácticas de arte público como catalizadores de memoria histórica.<br><br>Comenzamos el análisis de los contextos tras los cuales se da nacimiento a las prácticas denominadas como memoriales, para más tarde analizar cómo funciona este tipo de producciones en Chile, estudiando leyes y organismos gubernamentales participantes. Así pasamos a los dos estudios de casos analizados puntualmente en la región metropolitana de Chile que son “Mujeres en la memoria, monumento a las mujeres víctimas de la represión” en Santiago y “Un lugar para la memoria, memorial de los<br><br>detenidos desaparecidos y ejecutados en Paine”, analizando en particular el desarrollo y Emplazamiento de cada una de estas piezas en el entramado público y sus repercusiones a niveles socio-políticos, diseño urbano y arte público.</div>

Libro 2019

"Arte en el Espacio Público de Chile como Génesis de Memoria Histórica"

<div>&nbsp;</div><div>Exhibición individual realizada en PIRA Arte Contemporáneo, Barcelona 2019.<br>&nbsp;“Podríamos elegir permanecer indolentes ante individuos, objetos e historias que nos rodean y que vamos viendo. Hay veces que sí lo hacemos y otras que no, y esas otras vidas, elementos y situaciones pasan a formar parte de un determinado repertorio y se integran a lo que somos. Y si es que esto es así, los repertorios tal cuales capítulos, van cambiando y nuestra relación con un otro amplificado por cierto espacio y tiempo, también”.<br>&nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp;por Carolina Martínez Sánchez .<br><a href="https://www.joseyisa.com/textos/evidencia"><br>Texto y ficha técnica de imágenes </a><br><br></div><div>&nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp;&nbsp;<br>&nbsp;<br>&nbsp;</div>

EVIDENCIA

<div><a href="https://terremoto.mx/online/proyecto-dkk-exhibicion-de-jose-yisa-en-oma-galeria-chile/">Enlace</a></div>

Proyecto DKK 

Revista TERREMOTO MX, 2022

<div>De Jimy Buton Serie consiste en un proceso <em>de estudio desarrollado entorno a la identidad y orígenes de la historia política, económica y cultural de lo que llamamos América, funcionando desde la yuxtaposición de imágenes históricas de la caza de indigenas sumadas a la idea del amerindio propuesta desde la publicidad.<br>&nbsp;</em><br><a href="https://www.joseyisa.com/textos/de-jimy-buton-serie-429ab903-aa5d-47cc-904c-b38dfa833e84">Texto y Ficha técnica de imágenes</a>&nbsp;</div>

Investigación gráfica.

De JIMY BUTON Serie.

<div>¡COSTA traza diversas coordenadas para reflexionar sobre la carga ideológica de la frontera (entre mar y tierra, entre naciones, identidades…). Una de ellas es la figura del imaginario precolombino la Malinche, arquetipo de los abusos coloniales en la Conquista. La escritora chicana Gloria Anzaldúa se refiere a ella como la ‘Nueva Mestiza’ herida física y moralmente…cicatriz como metáfora del dolor inflingido a la tierra, a la frontera entre US-Méjico que sangra como una herida abierta entre dos mundos, a la vez que reivindica una cultura y un lenguaje fronterizo y mestizo, que Yiza recupera también en su trabajo rico en hibridación de materiales.<br><br></div><div><br></div><div>Por otra parte la locución latina <em>Hic Sunt Dracones, </em>que remite a la práctica medieval de los cartógrafos de dibujar dragones, serpientes de mar y criaturas mitológicas en los márgenes de lo explorado, para referirse a los confines del mundo conocido, más allá del cual solo había conjeturas, rumores e imaginación. Yisa recupera esta idea de los límites del saber en relación al territorio mapeado por las políticas imperialistas, esa supremacía de la que antaño gozaron las monarquías conquistadoras, al tiempo que emergen nuevos inter-reinos liderados por mercados neoliberales en una era de globalizaciones transnacionales, como en la pieza “C.R.E.A.M by Wu”.<br><br></div><div><br></div><div>Con el gesto de tatuar los hemisferios invertidos en un balón de <em>basketball,</em> “Juegos de territorio”, cuestiona los sistemas etnocéntricos y coloniales de representación (cartográficos) por su ‘simplicidad de perspectiva’. En este acto performativo, el mapa nos remite a realidades de orden sociopolítico, conceptual, psíquico y emocional, pues COSTA nos habla de diásporas transculturales y experiencias personales del propio Yiza, así como de conceptos viajeros que mutan de valor y sentido (el maíz, un tatuaje, la costa, una máscara…). Tatuar como práctica ritual de ese pasado indígena, de&nbsp; igual manera a como las máscaras Toltecas y Aztecas nos remiten a un pasado ideal, y que hoy los turistas compran en tiendas de <em>souvenirs</em> o en las playas costeras, saturadas de pateras sin velas que naufragan, o de barreras-muros de contención que vigilan y castigan, como resuena en la instalación sonora y audiovisual “Babel” que, a ‘click’ de google, cual <em>concept trouvé</em> en la red, proyecta citas de naufragios, mientras resuenan voces lejanas de ambiciones humanas y ancestrales inalcanzables. Babel significa ‘Puerta de Dios’, umbral de egos y ambiciones que nos arrastran a la incomunicación y a la propagación de pronunciamientos políticos, religiosos y culturales que perpetúan fronteras que sangran.<br><br></div><div><br></div><div>En “Piel negra, máscaras blancas” (1952), el pensador postcolonial Franz Fanon alude al concepto de máscara entendido como espejismo de apropiación del código cultural del colonizador mediante un proceso de mimetismo y ‘blanqueamiento cultural’ de sujeción inconsciente. En la “Serie Máscaras”, las máscaras se desvanecen en un proceso de erosión y desgaste de los materiales. Esta técnica de borradura está presente en la obra de Yiza en modos distintos: mediante el lijado, el desgaste y la corrosión de materiales, pero también la combustión del aceite y el petróleo, material que genera también un efecto de espejo, referencia al óleo de la pintura, al fuego ancestral que purifica, o a los residuos industriales de una economía hiper-productiva que contamina.<br><br></div><div><br></div><div>Mediante este proceso de alquimia, incineración y obsolescencia de la materia, de trabajar cada material en un ritual obsesivo de enmascarar y revelar, de adición y sustracción, de acumulación y eliminación hasta la erosión, las marcas y rastros agregan lo que no está, pues borrar no es eliminar, es hacer aparecer la memoria y la historia social del pasado como postura estética, política y codificación de lugares, situaciones y acontecimientos que sistemáticamente han sido oprimidos y borrados…<em>COSTI el que COSTI</em>.<br><br>&nbsp;</div><div>Ficha técnica de imágenes:<strong><br> <br></strong>1)<strong> Imagen de invitación a exhibición<br> <br></strong>2)<strong> C.R.E.A.M by Wu Tang Clan 1994 / </strong>Simulación publicitaria, pintura y lijado sobre muro, 3.40m x 7.10m<strong><br></strong><a href="https://www.joseyisa.com/textos/c-r-e-a-m-by-wu-1994">&nbsp;Texto</a><br><br></div><div>&nbsp;3-4)<strong> Juegos de Territorio II /</strong> Balón de baloncesto tatuado.<strong><br> <br></strong>5)<strong> </strong>Registro de presentación de pieza audio visual <strong>El Carajo, Mitos de una Herencia<br>&nbsp;<br></strong>6-8)<strong> </strong>Pieza Audio Visual <strong>El Carajo, Mitos de una Herencia,</strong> Video HD duración 10:35, Presentación de pieza audiovisual como concierto live. <br><strong>&nbsp;</strong><a href="https://vimeo.com/manage/videos/253460741">Pieza audiovisual link</a><br><br></div><div>9-15) <strong>Serie MASCARAS </strong>/ Performance y gráficas, dibujo grafito sobre papel de algodón borrado mediante capas de aceite quemado. Serie compuesta por 6 piezas. <br>1.40m x 1m c/u.<strong><br> <br> </strong>16)<strong> </strong>Políptico que contiene imágenes que se alternan en pieza<strong> “BABEL”<br><br> </strong>17)<strong> Babel </strong>/ Instalación multí-formato, audio-proyección-y andamio, medidas variables. <strong><br>&nbsp;</strong><a href="https://vimeo.com/manage/videos/261740738">audiovisual</a>.<br><br>18) Vista general de exhibición.&nbsp;<br><br></div><div>19) Invitación de exhibición.<br><br></div><div>20) Proceso de producción de pieza C.R.E.A.M By Wu 1994.</div>

 por Judit Vidella

"COSTE LO QUE COSTE"

<div>Exhibición individual Anexo Metropolitano, Gallery Mario Kreuzberg, Berlín Alemania / 2018<br><br></div><div><br></div><div>&nbsp;El artista expone los fracasos del capitalismo mediante sus propios sistemas de producción, reflexionando sobre las fracturas invisibles al entender la condición Latinoamericana, en relación a una "identidad"&nbsp; conjunta como también a su desarrollo en la esfera del Arte.<br>&nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; Por Manuela Morales.<br><br><a href="https://www.joseyisa.com/textos/anexo-metropolitano-0856e29a-e023-4553-8166-2c4d5e632ca3"><span style="background-color: highlight;">Texto y ficha técnica de imágenes</span></a><br><br></div><div><br></div>

ANEXO METROPOLITANO

<div><strong>“OPERACIÓN SIGLO XX” / PINTURA Y COLLAGE</strong>&nbsp;</div><div>“La Belleza es Terror Domesticado”&nbsp; Regis Debray</div><div>Se plantea la belleza como un punto de manipulación, un concepto básico para el dominio social. La percepción de belleza como conocimiento establecido, como un canon impuesto; surge desde un ideal que no es estático, sino activo y mutable a través de la historia, por lo tanto falto de neutralidad.&nbsp; // 12 piezas 110CM x 90CM</div><div><em><br></em><br></div><div><br></div>

OPERACION SIGLO XX

<div>Consiste en una pieza audiovisual que mediante un viaje de carretera desarrolla una&nbsp; propuesta estético, político visual que replantea las ideas de identidad y la apropiación cultural desde el sistema capital.<br><br>Director: Jose Yisa<br>Camara: Nicolas Lira<br>Montaje y color: Felipe Ríos<br>Música: Felipe Ríos - Jose Yisa<br><br><a href="https://vimeo.com/manage/videos/738395510">Enlace</a></div>

C.R.E.A.M Ideas sobre el Neo Paisaje

<div><a href="https://www.theclinic.cl/2021/11/23/jose-caerols-artista-desarrollo-piezas-que-vinculan-sistemas-economicos-y-las-relaciones-sociales-o-afectivas/">Enlace</a></div>

 TUPAHUE

Periódico The Clinic , 2021.

<div><a href="https://revistes.ub.edu/index.php/waterfront/article/view/22508/23928">Para descargar gratis accede aqui</a></div>

Revista 2018

Publicación indexada en revista de Arte Público de Universitat de Barcelona

<div>EVIDENCIA, Barcelona 2019<br><br></div><div>Podríamos elegir permanecer indolentes ante individuos, objetos e historias que nos rodean y que vamos viendo. Hay veces que sí lo hacemos y otras que no, y esas otras vidas, elementos y situaciones pasan a formar parte de un determinado repertorio y se integran a lo que somos. Y si es que esto es así, los repertorios tal cuales capítulos, van cambiando y nuestra relación con un otro amplificado por cierto espacio y tiempo, también.<br><br></div><div>José Caerols creció y vivió hasta hace algunos años en Chile, país azotado por el colonialismo, y por otros duros golpes más, que lo han ido refundado tanto ideológica como social y culturalmente de tanto en tanto.<br><br></div><div>Podríamos encontrar en esos sucesos escritos por personas que se les llaman historiadores algunos antecedentes de la relación simbólica y conceptual que el artista ha ido desarrollando, en un país donde las fracturas culturales y económicas pueden ser puntos de encuentro, inflexión y reflexión para pensar en nuestra relación con los materiales e ideas que se nos presentan más cercanos.<br><br></div><div>También podemos encontrar un desplazamiento de esos antecedentes en el nuevo hogar y lugar de trabajo de Caerols, Barcelona, una ciudad donde es posible de ver los materiales como desechos, y estos desechos a su vez resignificados para crear nuevas ocupaciones propias de estas fricciones culturales, potenciadas principalmente por la migración y, por países y políticas que no son capaces de abrazar estos fenómenos.<br><br></div><div>Así es que cada elemento usado por ciertos individuos y sociedades son convertidos en desechos y otros lo toman como sustento, o simplemente tal cual <em>ready-made </em>se les despoja de su función inicial y se les reacomoda una nueva a conveniencia.<br><br></div><div>Así es que nos vamos rodeando de evidencias materiales y simbólicas que nos cuentan de culturas en movimiento y de individuos en tránsito que van conformando sociedades en transformación que parecieran ser efímeras pero que se van transformando en referentes de nuestros caracteres y comportamientos.<br><br></div><div>Por esto es que para su primera exposición individual en Barcelona, José Caerols ha decidido reunir su producción más reciente bajo el nombre <em>“Evidencia”</em>&nbsp; y así poner de manifiesto las asignaciones históricas y contextuales de los últimos años del artista en la ciudad, pero nunca olvidando toda una historia de transculturización, que sigue en constante proceso todo el tiempo y en todos los lugares.<br><br>&nbsp;</div><div>Ficha técnica de imágenes.&nbsp;</div><div>&nbsp;</div><div>1) Zoom de pieza // <strong>Masaje Oriental</strong>.<br><br></div><div>2) <strong>Territorialización&nbsp; representativa o Juegos de Territorio III</strong> / Tubo de luz led, pintura paisajística encontrada y balón de básquet bol. 70cm x 120cm.<br><br></div><div>3) <strong>BRILLO</strong>/ Trozo de Manta de supervivencia de emergencia dorada encontrada y cajetilla de cigarros&nbsp; Marlboro de contrabando. 47cm x 32cm.<br><br></div><div>4) <strong>Masaje oriental</strong>/ materiales encontrados y luz led.&nbsp;</div><div>210cm x 110cm x 90cm.<br><br></div><div>5-7) <strong>ELECTO</strong>/ Pata de cerdo tatuada, cadena y cartas electorales españolas 2019.</div><div>210cm x 75cm.<br><br></div><div>8-12) <strong>Promesas y Utopías</strong> ( Promesas Capitales y Utopías sociales)/ Trozos de cartón yeso encontrados y tallados.&nbsp;</div><div>195cm x 210cm.<br><br></div><div>13-14) <strong>EL CONSUELO</strong>/ Cascos de motocicleta encontrados estructura de acero y base de cemento.&nbsp;</div><div>225cm x 40cm x 40cm.<br><br></div><div>15-16) <strong>El Arbotante</strong>/ Materiales encontrados y bridas.&nbsp;</div><div>210cm x 50cm 50cm.<br><br></div><div>17) <strong>MAÑANA</strong>/ Guantes de construcción , fierro y plintos de trofeo encontrado. 55cm x 50cm x 16cm.&nbsp;<br><br></div><div>18) Visión general de exhibición<br><br></div><div>19) Invitación</div>

por Carolina Martinez Sanchez

"EVIDENCIA"

<div>SERIE “XIII” / Pintura y collage <em>&nbsp;/ 2012 y 2014.<br>FALTA TEXTO CONCEP Y DESCRIPCION TECNICA TAMAÑO.<br></em><br></div>

SERIE XIII

<div><a href="https://artishockrevista.com/2019/12/09/jose-caerols-yisa-evidencias/">Para leer PINCHA AQUÍ</a></div><div><br></div>

 EVIDENCIA 

Revista Artishock , 2019.

<div>Pieza de animación que mediante un montaje de abstracciones de marcas capitales genera una pieza de caracter psicotica pero a la vez pregnante.<br><a href="https://vimeo.com/manage/videos/745516587">ENLACE</a></div>

GLITCH KAPITAL

<div><br><em>Galería Tajamar para celebrar sus 5 años de trayectoria publica un catalogo titulado </em><strong><em>"</em></strong><strong>Fundación Tajamar"</strong>, 2016.<br>es un acabado volumen de la historia de la galería que también responde visualmente a su línea curatorial.</div><div>El libro, de 200 páginas, se aboca a pensar las preguntas y experimentaciones surgidas en cinco años de puesta en práctica de una idea. Empastado en una cuidada encuadernación hot melt, con tapas de cartón piedra impresas a dos tintas, abre con una conversación que tuvo lugar una “calurosa tarde de diciembre” de 2015. ¿El lugar? Desconocido. ¿Los participantes? Los directores de la galería, Florencia Infante y Nicolás Azócar, junto a los artistas visuales Rodrigo Canala, Manuela Flores, Ignacio Gumucio y Francisca Sánchez.<br>El registro fotográfico, a cargo de Sebastián Mejía, junto con la diagramación y selección, son capaces de construir de forma elocuente un relato de imágenes narrativas que dan cuenta del espacio (sus desafíos, su potencia), pero también de la línea de pensamiento que siguen los directores de la galería y los artistas a los que convocan. Las muestras aparecen como manifestaciones inesperadas, desafiantes. Hay una impresión de extrañeza que atraviesa todo el libro: saber que esas instalaciones, montajes, happenings y exposiciones ocurrieron rodeadas de la más absoluta cotidianeidad, en medio de un complejo habitacional que está abierto al público en pleno Providencia.</div>

Catalogo, 2016.

Fundación TAJAMAR

<div>MALINCHE&nbsp; exhibición individual en&nbsp; Sagrada Mercancía, Santiago de&nbsp; Chile / 2016</div><div>Estas tres piezas pertenecen a un proceso investigativo que a desarrollado el artista entorno a la identidad y orígenes de la historia política económica y cultural de lo que llamamos Latinoamérica. <br>El Artista a través de su imaginario pictórico y de recolección de objetos a generado una instalación que recoge los distintos aspectos del colonialismo en la historia territorial y cultural de “NUESTRA AMÉRICA” ; la pregunta por nuestro origen e identidad , la violación y la imposición de dominios extranjeros a lo largo de la historia , la bastardía y el mestizaje son los aspectos que se sintetizan en este concepto de madre violada “MALINCHE” que podemos entender a través de estas piezas de sitio especifico.<br><br><a href="https://www.joseyisa.com/textos/yisa-el-residente-inquieto">Texto y ficha técnica de imágenes</a><br><br><br></div><div><br></div>

MALINCHE

<div>Catalogo de Bienal de Artes Mediales <strong>BAM </strong>que este año presentará el tema curatorial <strong><em>Hablar en lenguas,</em></strong> en un intento por explorar los drásticos cambios producidos por la emergente cultura digital, y la relación entre arte, ciencia y tecnología.</div><div><br>Desde sus inicios en 1993, la Bienal de Artes Mediales BAM se ha consolidado como uno de los espacios más importantes para la difusión del video arte, las artes mediales y la producción audiovisual de vanguardia en Chile, gracias al respaldo de realizadores nacionales e internacionales y de la institucionalidad cultural chilena promoviendo la investigación y producción de obras que se sitúan en los bordes de la práctica audiovisual. Con lenguajes masificados gracias a Internet, La BAM acoge proyectos que se desenvuelven en técnicas audiovisuales que por muchos años fueron experimentales, pero que hoy en día son parte de la cotidianeidad de la sociedad gracias a la ya avanzada revolución digital.<br><br><a href="https://issuu.com/bienal_bam/docs/catalogo12bam_digital">Enlace a catalogo digital</a></div>

Catalogo, 2015.

 12 Bienal Artes Mediales  "Hablar en Lenguas"

<div>El Robo de Hispano América Instalación exhibición Bi personal en Museo de arte Contemporáneo, Santiago de Chile 2015.<br>investigación matérica e iconográfica que&nbsp; plasma en una pieza final la problematización de&nbsp; una experiencia con el actual paisaje latinoamericano y chileno, donde un exuberante desarrollo económico inunda el espectro urbano chocando con distintas capas de subdesarrollo. <br>Instalación 89,6 mt2 // 6 toneladas de corontas de maíz, 9 Pinturas sobre sacos de urea de 9mt2 c/u, soga.<br>&nbsp;<br><a href="https://www.joseyisa.com/textos/el-robo-de-hispano-america-0f7bf26d-77e8-480d-9729-c2442deec22b">Texto</a><br><br></div>

EL ROBO DE HISPANOAMÉRICA

<div>Registro de proceso de recolección de cañas de maíz copara valla publicitaria que compone parte de la instalación <strong>"Propuesta TOYOTA, Ideas sobre Paisaje, Ruta y Territorio".</strong><br><a href="https://vimeo.com/manage/videos/770975393">Enlace</a></div>

Registro, 2021.

Recolección de cañas de Maíz

<div><a href="https://www.bonart.cat/actual/jose-caerols-yisa-presenta-el-seu-ultim-projecte-a-pira-art-contemporani/">Para leer PINCHA AQUÍ</a></div>

Periodico BONART , 2019.

<div>ANEXO METROPOLITANO.<br><br></div><div>Mario Kreusberg Gallery, Berlín, 2018<br><br>“AM” se plantea como un ejercicio de investigación y producción visual nacido desde un estudio prolongado en relación a la idea de “IDENTIDAD” y sus constantes variaciones , manipulaciones y aciertos .<br>Para esta exhibición planteo la pregunta identitaria desde diferentes aristas que convergen mediante subtextos lingüísticos y políticos existente en mi producción visual.<br>Para esta exhibición desarrollo una producción de 8 piezas de las cuales<br>5 son realizadas durante el periodo de residencia en Berlín,1 es realizada entre Berlín-Barcelona y 2 fueron realizadas con Anterioridad en Barcelona , ciudad en la que resido actualmente.<br>Partiré por la pieza realizada entre Barcelona y Berlín titulada “ESTANDARTE, Historias de una emocionalidad” ( medidas variables, tela y mástil, 2017) pieza que consiste en la realización de una gran bandera, pieza de carácter relacional llevado acabo a mediante solicitar a mis amigos&nbsp; y mas tarde recolectar esa camiseta roñosa y antigua y favorita que todos tenemos con las cuales desarrollo un collage que finaliza en una Bandera, poniendo en relación las elecciones emocionales y sentimentales ( como bandas o gustos estéticos) de cada amigo que participa como un todo donde estos indirectamente también me definen en mi identidad como individuo gregario y social, así realizando una gran Bandera ESTANDARTE de esta identidad colectivo//particular.<br><br></div><div>Por otro lado continuaré con las piezas desarrolladas en Barcelona<br>Por un lado tenemos “Chinchorro”(2017) que consiste en una tela sublimada de una imagen collage realizada a partir de pinturas renacentistas clásicas y la momia de Chinchorro, a través de la cual&nbsp; genero una hibridación estética propia de nuestros tiempos , pieza que pasa a la galería Mediante el proceso de reproducción técnica tan mencionado por Walter Benjamin a través del cual la imagen se reproduce desde un único proveniente de un collage , recalcando la industria y la hibridación como procesos políticos y estéticos contemporáneos que se relacionan directamente a los conceptos identitarios de cada artista.<br><br></div><div><br>Por otro lado tenemos la pieza “Geometría de identidad II” (Sacos de semillas de Maíz y Luz/ 3m x 1.50m/2018) la cual consiste en una pieza geométrica realizada mediante la fragmentación y unión de sacos de semillas de maíz hibrido generando mediante estos símbolos ( maíz- arte geométrico) una pieza que tiene por fin presentarse al espectador como una cita de una pieza textil precolombina entendiendo este proceso y desarrollo de arte contemporáneo en una directa línea con planteamientos como la escuela del Sur de JTG y Acha.<br>Por otro lado apreciamos una producción realizada durante la residencia misma en Berlín, Por un lado tenemos a una cortina de seguridad encontrada y mas tarde instalada en la galería donde mediante un tag con espray se le dibuja el símbolo de La Escuela del Sur , dibujo el cual mediante una variación propia de la cortina es modificado transformando este en una pieza abstracta. relacionando directamente las ideas de Joaquín Torres García y Acha.<br>También vemos una serie de objetos encontrados que abordan la idea identitaria desde la bisagra, desde lo que escurre del sistema capital en constante e híper-producción, “EL MANTERO (2018,objetos encontrados y bridas) instalación que consiste en la realización de pequeñas piezas escultóricas a través de las cuales mediante la hibridación del objeto genero nuevas formas, piezas o identidades , así planteando las movilidades sub-existentes de conceptos como la identidad y sus variantes ( en su formas positivas y negativas).<br>Mediante este mismo ejercicio se desprenden dos piezas, una vendría siendo<br>“PEOR MASCAR LAUCHA” (2018), que consiste en un Pan Turco relleno de adoquines de las calles de Berlín , generando una dicotomía conceptual en lo que respecta a su uso simbólico y capital en relación a su coherencia identitaria con el barrio y su identidad propia, por otro lado tenemos F.Y(2018) que a modo de sátira directa transforma un guante relleno con eno y una piedra en una escultura que hace un signo obceno a un punto de fuga donde no existe nada, abriendo este sentimiento hacia cualquier posibilidad personal y particular.<br>Y por ultimo tenemos “LA MARCHA” que consiste en una hilera formada por 30 kg de plátanos (2018), los cuales en su centro presentan la frase “SOMOS FAMILIA” d rallada directamente&nbsp; sobre las cascaras, entendiendo esta pieza final en un claro contexto político de NUESTRA AMERICA donde actualmente desplazados caminan a Estados Unidos en busca de un asilo político siendo esperados por un dirigente , que amenaza con abrir fuego a quema ropa contra estos si intentan cruzar, así es que la pieza se pone en el lugar de las republicas latinoamericanas como un todo donde estos actos deben cesar para comprendernos como una gran Familia, pieza que durante su producción , se carga de mas contenido en relación a los actos de genocidio ocurridos en Chile tras la matanza de comuneros Mapuches este mismo Noviembre 2018, así mismo se plantea contra todo acto genocida de estados capitales .<br><br></div><div><br></div><div><em>Para él la basura es substancia, con el desperdicio de las ciudades post industriales habla de nuestra identidad híbrida, archivando elementos de nuestra contradictoria memoria colectiva para deconstruir sistemas de poder.<br></em><br></div><div><br></div><div><em>Anexo Metropolitano cuestiona verdades únicas para revelar los fracasos del capitalismo. A través de los sistemas de producción de la economía moderna, el artista expone las fracturas invisibles de nuestra identidad cultural, cuestionando la reproducción de las imágenes hoy y el rol del artista.<br><br>Ficha técnica de imágenes:<br></em><strong><br></strong>1) Pieza perteneciente a <strong>El Mantero// </strong>Objetos encontrados y amarra cable.<br><br></div><div><strong>2-3) Estandarte - Historias de emocionalidad /</strong> Mástil de aluminio y camisetas, medidas variables.<br> <strong>Geometría de identidad II / </strong>Sacos de semilla de maíz híbrido y luz flúor, 3m x 1.8m</div><div><a href="https://www.joseyisa.com/textos/geometria-de-identidad">Texto</a><br> <br><strong>4) Deconstrucción del Emblema del Sur /</strong> Cortina de seguridad y aerosol, 2.20m x 1.50m<br> <a href="https://www.joseyisa.com/textos/deconstruccion-del-emblema-del-sur">Texto</a><br> <br> <strong>6) Peor Mascar Laucha /</strong> Pan turco relleno de adoquines de piedra del barrio Kreuzberg-Berlín.<br> <a href="https://www.joseyisa.com/textos/peor-mascar-laucha">Texto</a><br> <br><strong>7-9) La Marcha /</strong> 20 kg de bananas y madero, medidas variables.<br> <a href="https://www.joseyisa.com/textos/la-marcha">texto</a><br> <br><strong>10-15) El Mantero /</strong> Instalación, objetos encontrados y amarra cable, medidas variables.<br> <br><strong>16) F.Y /</strong> Guante y piedra encontrada , 44CM x 23cm<br><br></div><div>17) Invitación de exhibición</div>

por Manuela Morales 

"ANEXO METROPOLITANO"

<div>Serie “LOS ARBOTANTES” Neo misticismos post modernos, Santiago de Chile / 2016</div>

"LOS ARBOTANTES"

<div><strong>Construcciones , sistemas y transformaciones</strong><br>Editorial Universidad Finis Terrae. Santiago de Chile, 2015.<br>ISBN: 9789567757589<br><br>Construcciones&nbsp; sistemas y transformaciones es una publicación que recoge buena parte de lo que podríamos llamar el ideario formativo de la Finis en el campo de la pintura.<br>Con ella, esta escuela pretende dejar un testimonio frente a su grupo de referencia formado por artistas, gestores, intelectuales y educadores que habitan este medio como un territorio difícil siendo un desafío, así mismo, lleno de oportunidades para construir sistemas de interpretación de una realidad en constante transformación.</div><div>Este volumen consta de una serie de entrevistas y textos críticos que abordan el quehacer de algunos de los más destacados formadores que la Escuela de Artes Visuales tiene o ha tenido en estos veintiún años; así como una selección de ex alumnos destacados, que han venido incidiendo en el panorama artístico reciente, todo debidamente ilustrado con imágenes de las obras de los artistas seleccionados por el equipo de edición. Ofrece una visión clara de lo que representa la práctica y la enseñanza de la pintura al interior de esta casa de estudios, con una serie de testimonios que ilustran lo que ha sido, es y cómo se proyecta hacia el futuro esta disciplina.&nbsp;<br><br></div>

Libro, 2015.

Construcciones , sistemas y transformaciones

<div>Lampedusa – Monumento<br><br></div><div>&nbsp;<br><br></div><div>Existe en nuestra cultura un modo de auto comprensión que se ha ido extendiendo y enraizando de tal modo que ha ido adquiriendo ribetes de naturalización profunda. La Sociedad Global, un evento creado desde la metrópoli en posesión de una exorbitante producción de masas, recursos tecnológicos y grandes cadenas de medios de prensa y difusión, logró imponerse tras la caída de los países del Bloque Oriental y su influencia.<br><br></div><div>En los años regios del capitalismo contemporáneo, entre mediados de los años 50s y 60s, sus réditos en EE. UU. y Europa, vía Plan Marshall, este modelo social comenzó su expansión cultural junto a la apabullante seducción de su mercancía. No se debe olvidar que estos son los años donde la televisión comienza a jugar un rol relevante en la transmisión de contenidos, y justamente cuando la publicidad hace su aparición como campo de ejercicios creativos permanentes. Así también el Arte Pop y la Performance hacen su aparición. Occidente se aprontaba a integrar a toda su zona de influencia en una elegante y satisfecha sociedad de masas compartiendo la perfección de su acervo cultural que detenía el avance del comunismo hacia el mismo segmento sociocultural.<br><br></div><div>Este escenario es el que adelantaba Marshall Mcluhan en su célebre libro <em>Understanding Media: The Extensions of Man </em>(1964) en un instante de confusión respecto del uso, el alcance y la profundidad de los medios ejercidos sobre la sociedad. Mcluhan indagaba sobre un nuevo estado perceptivo que comenzaba a transformar la psicología de los individuos, permanentemente escindidos por la reproducción del mundo reconocible. Desde los años 60s el alcance de los medios ha crecido exponencialmente, moldeando al conjunto social en su totalidad.<br><br></div><div>Pues bien, la reiteración invasiva de las imágenes tanto en el espacio público como privado que esto ha traído ha establecido un desdoblamiento de lo real en una percepción bipartita entre la imagen percibida y su referente primario. No podemos ya observar lo que nos rodea sin imaginar su doble y a su vez su reproducción siguiente. Nos vemos impedidos de distinguir la Naturaleza, de <em>conectarnos</em> a ella.<br><br></div><div>Dada esta situación es nuestra percepción que la debe reconfigurarse día tras día en un mundo sobre-mediado y sobre-tecnologizado, forzada a aprender nuevos modos de socialización saturados de códigos y claves que se reinventan sin descanso. De este modo las imágenes resultantes finalmente van adquiriendo un carácter absoluto, no importando su condición de doble escindido. La ficción va tomando el lugar de lo real.<br><br></div><div>Es este escenario el que extendido desde la metrópoli occidental se posiciona en el mundo consolidando un discurso, una visión y una ideología, por lo que toda imagen producida encontrará su lugar, cual más, cual menos en esta estructura.<br><br></div><div>Bajo la observancia de los medios, los sucesos registrados en las zonas de interés geopolítico para el Occidente del primer mundo no pueden sino descontextualizarse; emergen confusos en la plataforma mediática que los exhibe como autentificación de los intereses de la gran estructura de la sociedad global.<br><br></div><div><br></div><div>El proyecto “Lampedusa” de Yisa (José Caerolls) se ubica justamente en la confusión desde la que emergen estas imágenes y su excesiva mediatización, en donde se exagera el factor trágico y apelando a su patetismo y a lo caótico de su situación. El artista apela directamente al problema de la migración forzada y su consiguiente mediatización. A sabiendas del impacto de las imágenes, mediadas, el artista recrea la realidad de lo registrado haciendo el proceso inverso hacia el origen del hecho acaecido.<br><br></div><div>“Lampedusa” es un levantamiento volumétrico de cámaras de aire que al modo de un monolito se erigen como monumento inservible. Esta escultura busca imponerse a la finitud anónima de aquél número creciente de personas en situación trashumante que arriesgan y pierden su vida en el mar.<br><br></div><div>Las cámaras apiladas buscan recordarnos los nombres jamás aprendidos de estas personas, de las cuáles conocemos de su existencia sólo por la tragedia de su condición explotada por los medios de prensa e información. Las cámaras de aire notan la existencia anónima de quienes fallecen como perfecto símbolo de lo único verdaderamente asimilado: la muerte, en su despojo.<br><br></div><div>Yisa parece nadar a contracorriente para captar la instantánea faltante, la agitación desesperada del lente que textualice el por qué y el cómo de este desenlace. No obstante, ese empuje termina por fatigarse en su imposibilidad; sólo podemos sentarnos a observar, a reiterar la mediatización, naufragando en la superficie, lamentando la tragedia del <em>otro</em>.<br><br></div><div>Este cuerpo abotagado es la única fisicidad a la cual podemos acercarnos sin equívocos, y que el artista parece resumirnos en una forma que podemos comprender. A su vez, Yisa se silencia ante el ruido proveniente de la sobreabundancia de tragedias mediadas, y busca acogerse a la austeridad de un objeto que poco tiene de neutro en este escenario.<br><br></div><div>De este modo “Lampedusa”, puerto obligado en la travesía asiático-africana a Europa, nos adentra en la tragedia que un creciente número de personas debe soportar para escapar de situaciones apremiantes en su nación de origen, que lamentablemente para muchos termina por ser definitiva antes de culminar en su destino final. Años atrás hubiésemos contemplado conmovidos estos incidentes retratados al modo de “La balsa de la Medusa”, hoy, en su imposibilidad, nos ceñimos al turbador silencio emitido por la pila de flotadores. En ellos, la esperanza y la tragedia se combinan como factorización azarosa ante el observador. Yisa señala el hecho y reitera su actualidad: allí donde nace una noticia, una imagen, un <em>otro </em>muere, un <em>otro </em>desaparece y un <em>otro</em> sobrevive. Allí también quienes observamos, nos aferramos al flotador viendo a los otros abandonados a su suerte, lamentando su destino, cierto, pero incapaces de adelantar nada más que una queja o una mueca triste. Así, sin más, quedamos a salvo en la redentora superficie que la imagen nos proporciona, aferrados a una cámara de aire con la vista puesta en el horizonte o con los ojos cerrados apresurados a olvidarlo todo hacia la armoniosa luz de un presente infinito.<br><br></div><div><br></div><div>por Andres Grillo.<br><br><a href="https://www.vanguardia.com/mundo/tragedia-en-el-mediterraneo-cerca-de-130-migrantes-mueren-en-naufragio-JE3677685">Última tragedia mediatizada</a><br><a href="https://www.abc.es/internacional/20150419/abci-inmigrantes-muertos-201504191054.html?ref=https:%2F%2Fwww.google.com%2F">La tragedia de Lampedusa</a><br><a href="https://vimeo.com/134354088">Registro de acción ML. </a><br><br></div><div><br></div><div><br></div><div><br></div>

 por Andrés Grillo

MONUMENTO LAMPEDUSA

<div><a href="http://www.rotundamagazine.com/anexo-metropolitano_jose-caerols/">Para leer PINCHA AQUÍ</a></div>

 ANEXO METROPOLITANO 

ROTUNDA Magazine, 2018.

<div>Extracto de pieza Audiovisual , la cual registra una performance nacida desde un encuentro del desamor y las implicancias tanto sensibles como políticas que dichos sucesos desencadenan.<br>Enlace</div>

Pieza, 2017.

Erí mi todo Guachita

<div><strong><br>COSTA</strong> traza diversas coordenadas para reflexionar sobre la carga ideológica de la frontera (entre mar y tierra, entre naciones, identidades…).<br>por: Judit Vidella.<br><strong>Conceptos claves<br></strong>Territorio - imposición capital- inmigración -hibridación cultural.<br><br><a href="https://www.joseyisa.com/textos/coste-lo-que-coste">Texto y ficha técnica de imágenes</a><br><br></div><div><br></div><div><br></div>

COSTA

<div><br></div><div><strong><em>Recreant ruïnes&nbsp;</em></strong></div><div><strong><em>Festival de intervención de sitio específico, Barcelona 2018/2019.</em></strong></div><div>El espacio a intervenir se inscribe en un antiguo recinto industrial convertido en ruina: el estado de sus espacios remiten al paso del tiempo y a las múltiples acciones que lo han ocupado, las efectuadas y las silenciadas. Recreando ruinas parte de una premisa sencilla: construir colectivamente un proyecto&nbsp; a través de un espacio de convivencia, imaginan múltiples formas de re-interpretar el potencial poético y temporal de la ruina y, al hacerlo, imaginan un DESENLACE no advenido aún.<br><br><a href="https://www.joseyisa.com/textos/recreando-ruinas-2018-2019">Texto y ficha técnica de imágenes</a><br><a href="https://www.joseyisa.com/textos/nunca-fue-tan-hermosa-la-basura">Marco teórico. </a><br><br></div>

RECREANT RÜINES

<div><a href="http://artishockrevista.com/2018/12/13/jose-caerols-yisa-anexo-metropolitano/">Para leer PINCHA AQUÍ</a></div>

Revista Artishock , 2018.

<div><br></div><div>EL ROBO DE HISPANO AMÉRICA<br><br></div><div>Esta pieza se origina a partir de una experiencia con el actual paisaje latinoamericano y chileno, donde un exuberante desarrollo económico inunda el espectro urbano chocando con distintas capas de subdesarrollo muy latentes, dicha tensión , genera situaciones políticas y culturales que son problematizadas mediante esta investigación y posterior producción .<br><br></div><div>EL ROBO DE HISPANO AMÉRICA&nbsp; cociste en una&nbsp; investigación matérica e iconográfica que&nbsp; plasma en una pieza final la problematización de los antecedentes antes mencionados. Así utilizando una acumulación industrial de corontas de maíz (6 toneladas), como elemento significante e icono de la economía rural del continente y base alimenticia de los imperios prehispánicos, se&nbsp; construye una instalación que combina a estas con pinturas realizadas sobre sacos de abono sintético, hablándonos de la iconografía del poder y la maquinaria de adoctrinamiento que opera en el sujeto , desde lo religioso , sexual y racial; Así lo económico en este caso se presenta como una herramienta de modelado ideológico.<br><br></div><div>Propuesta de intervención que extrae los modelos constructivos de las llamadas “economías del SUB desarrollo”, donde iconografías de la transculturación ,influencias occidentales y prehispánicas , dibujan Latinoamérica como un área de choques e identidades maleables. Estableciendo desde esta pieza un parangón entre economías de supervivencia y economías artísticas marginales, inundando&nbsp; la sala museal y enfrentando al espectador cara a cara con la materia, generando recorridos y experiencias que mas que definir un discurso , abren un área de<br><br></div><div>cuestionamientos desde lo estético hacia lo político.<br><br></div><div>&nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp;<br>Texto por Carolina Martínez Sanchez<br><br>Instalación 89,6mt2 // 6 toneladas de corontas de maíz, 9 Pinturas sobre sacos de urea de 9mt2&nbsp; c/u, soga. <br>Museo de Arte Contemporáneo de Santiago Chile,2015.<br><br><a href="https://vimeo.com/manage/videos/134660923">Registro audiovisual</a><br><a href="https://vimeo.com/334647105">Registro audiovisual // Micro Capsula&nbsp;</a></div><div><br></div><div><br></div><div><strong><em>HISPANIC- AMERICA’S THIEVERY&nbsp;<br></em></strong><br></div><div><em>Thounsands of corn cobs (significant element and icon of the continent’s rural economy; also food base of the pre-hispanic empires) that shape up as the traces of the lost of identity, maximizing their significance by the representation of other elements. Canvas made out of fertilizer sacks, that can be read as flags carrying symbols of the iconography of power and the indoctrination machinery that operates within the subject, from he religious, sexual and racial grounds.<br></em><br></div><div><strong>Site-specific installation/ </strong><strong><em>5tons cobs of corn, 9 paintings on sacks of urea. 3x3m, rope// 89,6M2<br></em></strong><br></div><div><em>MUSEUM FOR CONTEMPORARY ART SANTIAGO, CHILE / 2015<br></em><br></div>

El Robo de Hispano América

<div>Realización audiovisual originada a partir del registro de un acto performatico invisible ante la mirada del público (realizado al desmontar exhibición MALINCHE , Sagrada Mercancía 2016), registro que al igual que una historia de conventillo se erige desde una repetición a temporal y no lineal lejana a la realidad del suceso, permitiéndole desarrollarse como ente particular y único, aislado de su contexto original. Citando&nbsp; métodos de supervivencia Latinoamericanos desde el punto de vista arquitectónico habitacional, contraponiéndose al acto mismo , lo estático y lo móvil se unen mediante el desarrollo no lineal, donde la destrucción en manos del personaje de rostro cubierto por la mascara del Takanakuy (rito altiplánico que representa al colonizador ) y el ejercicio de mimesis se reconvierten en mito, donde la "representación" desarrolla la idea supervivencia latinoamericana y a los hechos que tras sistemas capitales acaecen a esta misma.<br>“Cuando la realidad es capturada y convertida en meras imágenes, las simples imágenes se convierten en realidad, un mecanismo que consolidaría el núcleo irreal de nuestra realidad, Lo que nos lleva a pensar como contrapunto que aquello que esta en juego en la creación y difusión de imágenes es la realidad misma..."Peter watkins.<br>Director: Jose Yisa - Enrique Warnken<br>Montaje: Enrique Warnken - Jose Yisa<br>Color: Enrique Warnken<br>Música: Ilia Mayer<br><a href="https://vimeo.com/manage/videos/253460741"><strong>Enlace</strong></a></div>

El Carajo Mitos de una herencia.

<div>Diarios de frontera consiste en 21 relatos transformados en 22 piezas gráficas.</div><div><br><a href="https://www.joseyisa.com/textos/diarios-de-frontera-8cb080b8-7221-488b-aff7-8d62acf68081">Texto.</a><br><br></div><div><br></div>

Diarios de frontera.

<div>Revista Arte Al Limite <strong>AAL.<br></strong>Santiago de Chile, Septiembre-Octubre / 2015, #74. ISSN0719-2878<br><br>Revista de Arte Contemporáneo Latino Americano. <br><br><a href="https://www.arteallimite.com/2017/11/25/revista-n-74/">Enlace a revista digital</a></div>

Revista, 2015.

<div>El espacio a intervenir se inscribe en un antiguo recinto industrial convertido en ruina: el estado de sus espacios remiten al paso del tiempo y a las múltiples acciones que lo han ocupado, las efectuadas y las silenciadas. Recreando ruinas parte de una premisa sencilla: construir colectivamente un proyecto&nbsp; a través de un espacio de convivencia, imaginan múltiples formas de reinterpretar el potencial poético y temporal de la ruina y, al hacerlo, imaginan un futuro no advenido aún. A través de esta acción, se inscriben en la potencialidad artística que ya retrató Marc Augé en referencia a la ruina: los artistas, escribió, “presienten que incumbe al arte salvar lo que hay de más precioso en las ruinas y en las obras del pasado: un sentido del tiempo tanto más provocador y conmovedor por cuanto no es posible reducirlo a historia, por cuanto es consciencia de una carencia, expresión de una ausencia, puro deseo.” Hoy se torna urgente re-dirigir nuestra mirada a las ruinas, en un momento en que el presente está condensado, desdibujadas sus proyecciones hacia el pasado y el futuro. Las ruinas, cuya existencia depende de nuestra mirada, emergen entonces como una forma de reivindicación del tiempo. Tal como indica Marc Augé, debemos “volver a aprender a sentir el tiempo para volver a tener conciencia de la historia. En un momento en que todo conspira para hacernos creer que la historia ha terminado y que el mundo es un espectáculo en el que se escenifica dicho nodo, debemos volver a disponer del tiempo para creer en la historia.” Re-visitar las ruinas no es un ejercicio de nostalgia, sino una escenificación de la incertidumbre a través de su anacronismo. La ruina, “en contra del presente, subraya la presencia aún palpable de un pasado perdido y la inminencia incierta de lo que puede suceder: la posibilidad de un instante poco corriente, frágil, efímero, que escapa a la arrogancia del presente. Son espacios poéticos en el sentido etimológico: es posible hacer algo en ellas; su estado inacabado depende de una promesa.”<br>&nbsp;</div><div>&nbsp;</div><div>Ficha técnica de imágenes&nbsp;</div><div>&nbsp;</div><div>1) Público observando pieza <strong>Donde esta Avelardo?</strong></div><div>en intervención Triples de Negativo, 2018.</div><div>&nbsp;</div><div>2) Vista general de intervención Triples de Negativo, 2018.</div><div>&nbsp;</div><div>3) Público observando pieza <strong>Mitos de San Tomas</strong></div><div>en intervención Triples de Negativo, 2018.</div><div>&nbsp;</div><div>4) Vista general de intervención Triples de Negativo, 2018.</div><div>&nbsp;</div><div><strong>Piezas de “Triples de Negativo” Recreando Ruinas 2018.</strong></div><div>&nbsp;</div><div><strong>5) Donde esta Avelardo I? /</strong>Objetos encontrados y luz led, Collage objetual, Intervención de sitio específico.<br>&nbsp;<br>&nbsp;</div><div><strong>6) Mitos de San Tomas</strong>/ Luces led, espejo y papel sintético rojo, Instalación de sitio especifico, 3.24m x 62cm<br> <a href="https://www.joseyisa.com/textos/ideas-de-santo-tomas">Texto</a><br>&nbsp;<br>&nbsp;</div><div><strong>7) El Archipiélago../ Descripciones territoriales</strong>, Excrementos de palomas y agua, medidas variables</div><div>&nbsp;</div><div><strong>Piezas de “La Otredad” Recreando Ruinas 2019.</strong></div><div>&nbsp;</div><div><strong>8) Allá /</strong>Cartel publicitario de pvc (encontrado), metacrilato y luz led,1m x 2m, 2019</div><div>&nbsp;</div><div><strong>9) OTROS /</strong>12 luces led y graficas sobre appel pegadas rasgada, Instalación de sitio especifico realizada en ex monta cargas de la fabrica, 22,5m3, 2019.<br>&nbsp;<br>&nbsp;</div><div>10) Zoom <strong>Donde esta Avelardo I?</strong></div><div>11) Zoom <strong>El Archipiélago../</strong></div><div>12) Lugar de intervención de <strong>Mitos de San Tomas</strong></div><div>13-15) Registro de lugar a intervenir en Fabrica abandonada</div><div>17) Invitación a exhibición.</div><div><br></div><div><strong>“IDEAS DE SANTO TOMAS”<br></strong><br></div><div>I.<br><br></div><div>La existencia en un estado fuera del tiempo, el polvo cual piel cubriendo por doquier la totalidad del espacio, no hay luz ni personas, no existe actividad, no hay trabajo, trabajadores ni conflictos sociales, no habrá historia!, el abandono como consecuencia.<br>El mundo cambia dicen,,, nos abrimos paso al capital, desde la especulación al Disney land de guiris, donde la memoria histórica solo es un fantasma del mal gusto entre noches turistas.<br>La fabrica, la hacedora, la pacha mama, la madre, la mujer y la lucha, la historia, el pasado proletariado intercambiado por pisos de alquiler&nbsp; inflados , el triunfo del interés bancario y su hermosa maquina inmobiliaria.<br><br></div><div>EL espacio penetrable y fecundo, que entre sonidos penantes y olores ácidos solo recuerda vivencias olvidas.<br><br></div><div>II.<br><br></div><div>“Ver para creer” dijo un santo, quien para creer debió introducir sus dedos en la llaga del revivido (Hermosa pintura de Caravaggio).<br><br></div><div>Pues tal cual la historia comienza así mismo, donde el brillo inmobiliario y sus espejos opacan los pasados históricos latentes de cada ciudad del mundo; Planteándonos entonces&nbsp; la intervención de sitio especifico como una oportunidad de revivir esta historia, tomando para esta un “Non site” o “Espacio Negativo” (R.Smithson), el cual consiste en una viga faltante en el piso de la primera planta de la nave, espacio de carácter femenino (conceptual y simbólicamente hablado) revivido mediante la luz y su proyección reflejada, la electricidad como acto de vida que reaniman de fertilidad este lugar en completo abandono.<br><br></div><div>III.<br><br></div><div>La intervención se proyecta como un espacio fecundo, una vagina conceptual que mediante el gesto de intervención eléctrica (cual Frankenstein) vuelve a la vida, Así mismo el color rojo de la mencionada nos recuerda una herida abierta, una llaga social que tendemos a no observar o no creer, “Ver para creer”.<br><br></div><div>IV.<br><br></div><div>A vuelto la luz y un pequeño grupo de cucarachas sociales “artistas” luchan por entrar y hacerse parte de este lugar como hijos ilegítimos, volver al ceno de producción que hoy los alberga&nbsp; en una función proyectual, de conciencia y memoria.<br><br></div><div><br></div><div><strong>&nbsp;<br></strong><br></div><div><strong>LA OTREDAD<br></strong><br></div><div><br></div><div>Pieza de sitio especifico compuesta por 2 instancias, donde<br><br></div><div>mediante el conjunto de conceptos se presenta una instalación que tiene por temática las relaciones y diferencias laborales, ligadas directamente a la definición de privilegios y derechos, encarnándose estos a través del lugar (tanto sensible como<br><br></div><div>conceptual) que le otorgamos al otro y a uno mismo en<br><br></div><div>referencia a este. Instancias instalativas: OTROS y Allá<br><br></div>

EXTENDED

RECREANDO RUINAS  2018/2019.

<div>Registro audiovisual sobre la pieza El Arribo la cual pertenece ala exhibición MALINCHE realizada en Sagrada Mercancía el año 2016.<br>Director: Enrique Warnken<br><a href="https://vimeo.com/manage/videos/197111512">Enlace</a></div>

Registro, 2016.

EL ARRIBO 

<div><a href="http://lasantacritica.com/barahunda/jose-caerols-lecaros-yisa-entiendo-el-medio-artistico-como-un-universo-de-libertades/">Para leer PINCHA AQUÍ</a></div>

Entrevista 

Periódico La Santa Critica , 2018

<div><strong>Chile Arte Joven</strong>, <br>Ediciones AAL, Santiago de Chile, 2015.<br><em><br>Chile Arte Joven</em> reúne le trabajo de 35 de los artistas jóvenes más destacados de la escena nacional chilena.<br>Este libro recoge la selección de obras de 35 artistas jóvenes que son referentes en sus respectivas disciplinas, desde la pintura y la escultura hasta el vanguardista arte urbano y la instalación. Desde la variedad de sus propuestas algunas con más años en el circuito que otras, todas tienen algo en común, buscan expresarse e ilustrar una realidad .&nbsp;<br>Creatividad, talento, magia y sentido llenan las páginas de este libro que representa a la nueva generación de artistas nacionales que buscamos relevar con esta selección.<br><br>Enlace a libro digital</div>

Chile Arte Joven

<div>Performance, Berlín 2017/ Registro pieza Video HD, 3,30,,.<br><br></div><div>Esta pieza consiste en el registro audiovisual de una performance romántica donde mediante la inscripción tallada en piedra de una frase de amor en dialecto Chileno, se realiza un acto poético arrojando esta al río que recorre el barrio, permitiéndole a este sentimiento existir en la finitud de las profundidades .<br><br></div><div>“Cuando algo es real, es eterno,… por eso lo inscribo en piedra para que viva por siempre en las profundidades”.<br><br></div><div><br></div><div>“ERÍ MI TODO GUACHITA”. <a href="https://vimeo.com/261736665">Registro de proceso</a> AV.<br><br><a href=" https://www.joseyisa.com/textos/delirio-de-primavera">Texto y descripción de imágenes</a></div><div><br><br><br></div>

UNA CARTA DE AMOR PARA UN RECUERDO EMOCIONAL

<div><br></div><div>&nbsp;“Monumento Lampedusa” es un levantamiento volumétrico de cámaras de aire que al modo de un monolito se erigen como monumento inservible. Esta escultura busca imponerse a la finitud anónima de aquél número creciente de personas en situación trashumante que arriesgan y pierden su vida en el mar.<br>&nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp;<em>&nbsp; &nbsp;Texto por Andrés Grillo.<br></em>Intervención de Sitio especifico, Pacifico Sur 2014.<br>Cámaras de camión infladas, soga y ancla, medidas variables.<br><br><a href="https://www.joseyisa.com/textos/monumento-lampedusa-d0116a52-fd44-4f7f-83f0-a1adfa03698f">Texto</a><br><br></div><div><br></div><div><br></div><div><br></div><div><br></div>

<div>&nbsp;</div><div>&nbsp;El Vuelo del Cóndor o Porno Dictadores, Consiste en una Investigación que&nbsp; pone en relación conceptual e histórica el “PLAN CONDOR” (mediante sus autores) y&nbsp; la industria pornográfica de mediados de los 80-90 (estrellas de la industria de estos años), Ambas instituciones propias del “American Dream”, dirigidas y guiadas por Estados Unidos.&nbsp;</div><div>Generando mediante esta serie de yuxtaposiciones visuales una relación entre patriarcado, perversión, dominio y doctrina Neoliberal.&nbsp;</div><div>&nbsp;</div><div><em>&nbsp;“Si yo me interesé en su momento por la Mansión Playboy es porque esta funcionó en plena guerra fría como un laboratorio en el que se estaban inventando los nuevos dispositivos de control fármaco-pornográfico del cuerpo y de la sexualidad que habrían de extenderse a partir de principios del siglo XXI y que ahora se amplían a la totalidad de la población mundial con la crisis de la Covid-19”.</em><br>&nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp;Paul B Preciado, ”Aprendiendo del virus “2020.&nbsp;</div><div>&nbsp;</div><div><strong>Ficha técnica:</strong>&nbsp;<br>“El Vuelo del Cóndor ”Collage, 30cm x 24.5cm c/u serie de 12, 2019.<br>“El Vuelo del Cóndor II”, Calado y Collage sobre impresión libre de acido en papel de algodón 300gr.&nbsp;</div><div>1.60cm x 1.20cm, &nbsp; 2020.&nbsp;</div><div>&nbsp;<br><strong>Plan Cóndor :</strong>&nbsp;</div><div>Consiste en la intervención política, estratégica y militar realizada por el gobierno de EEUU y su agencia C.IA., con el fin de&nbsp; derrocar la incipiente izquierda Latinoamericana desde la década de los 60,s a los&nbsp; 80,s. Dicho plan contaba con el apoyo de empresariados y derechas locales de los países intervenidos los que&nbsp; brindaron apoyo para la realización de este plan.&nbsp;</div><div><strong>&nbsp;</strong></div><div><strong>Lista de parejas collage de “EL VUELO DEL CONDOR”</strong>&nbsp;</div><div>1-Juan María Bordaberry/Jena Jameson&nbsp;</div><div>2-Milton FriedMan/Tera Patrick&nbsp;</div><div>3-Henry Kissinger/Asia Carrera&nbsp;</div><div>4-Jose Rafael Videla/Julia Ann&nbsp;</div><div>5-Alfredo Stroessner/Lisa Ann&nbsp;</div><div>6-Hugo Banzer/Lisa Ann&nbsp;</div><div>7-Augusto Pinochet/Gaugue&nbsp;</div><div>8-Ronald Regan/Gaugue&nbsp;</div><div>9-Gerard Ford/Asia Carrera&nbsp;</div><div>10-Jhon F Kenedy/Tera Patrick&nbsp;</div><div>11-Alacart Costelo Branco/&nbsp;</div><div>12-Richard Nixon/Julia Ann&nbsp;</div><div>I</div>

<div><strong>SUB 30</strong><br>Editorial Ocholibros, Santiago de Chile, 2013.<br>Autor Jorge Gonzales Lhose<br>ISBN: 978-956-353-664-5<br><br><em>SUB 30, Pintura joven en Chile.<br></em>420 obras, 60 artistas, 4 curadores, 3 teóricos, 1 país. <em>&nbsp;<br><br></em>Curaduría de artistas/ pintores&nbsp; chilenos bajo los 30 años, la cual finalizo con una exhibición en el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile el año 2014.&nbsp;</div>

Libro, 2013.

SUB 30

<div><a href="https://www.bonart.cat/actual/lambiguitat-conceptual-de-jose-yisa-a-la-escocesa/">Para leer PINCHA AQUÍ</a></div>

 COSTA 

Periódico BONART , 2017.

<div>Registro audiovisual sobre exhibición MALINCHE realizada el año 2016 en Sagrada Mercancía. <br>Autores Gallo Negro Prod.<br><a href="https://vimeo.com/137554344">Enlace</a></div>

<div>Teaser con el cual se anuncio el micro documental El Robo de Hispano América Dirigido por Felipe Ríos en cooperación con el autor de la pieza y artista Jose Yisa</div><div><a href="https://vimeo.com/137554344">Enlace</a></div><div><br></div>

Teaser, 2015.

EL ROBO DE HISPANO AMERICA

<div>Revista REGIA #24<br>Buenos Aires,&nbsp; Argentina, 2014<br>ISSN: 2314-2839<br><br><a href="https://issuu.com/regiamag/docs/regia_24_web">Enlace a revista digital</a></div>

Revista, 2014.

 REGIA

<div>Delirio de Primavera.<br>Consiste en una propuesta de producción que tiene por origen conceptual la aplicación de los ideales del Romanticismo en un actuar contemporáneo, entendiendo el concepto mencionado con anterioridad en un distanciamiento claro con la idea de lo romántico entendido desde una visión idílica propia de Walt Disney.<br>Comúnmente ideas obsesivas y lascivas son el motor mediante el cual vemos desarrollarse diferentes tipos de practicas que en su intento de hacer tangible y material un momento o situación sentimental, exploran y se desarrollan un sin fin de propuestas creativas de tipo popular . Así Delirios de Primavera se presenta como una producción desarrollada a través de un estudio de campo basado en las practicas populares que “generamos” mediante las ideas de obsesivas provocadas por el desamor, tales como tatuajes, nombres tallados en arboles, poemas de bares, frases ralladas sobre paredes, etc.<br>Así proponiendo para este proyecto en cuestión un despliegue de piezas que se realizan desde un punto sentimental e intimo, desarrollando diferentes formas de producción que abarcan esta problemática, generando una serie de piezas en diferentes formatos y técnicas que presentan por temática la experiencia en el desamor, realizando piezas como, cartas de amor talladas en piedras , registros fotográficos de tatuajes, pieles tatuadas con poemas de amor y un cartel de neón con el numero telefónico de una EX novia, nunca olvidada… primer gran DESAMOR. Desarrollando un abanico técnico que trabaja con el plano sentimental de lo sublime y su radicalización física mediante la idea de poder generar un apego tan común en la sociedad mediante estos universos plásticos; Remarcando así las manías y capacidades asociadas a esto como un motor creativo inscrito tanto en el diario vivir como en la historia del arte.<br>Delirio de Primavera es una propuesta que desde lo intimo y personal plantea una temática entendida y vivida por gran parte de la sociedad “AMOR Y DESAMOR”, para mediante este puente sentimental- conceptual transformarse en un lenguaje estético que pase de lo particular a lo colectivo generando vínculos inmediatos mediante la idea de los recuerdos propios de los espectadores y sus vivencias particulares, así la obra mas allá de su pura presencia en el espacio expositivo se abre a un dialogo, a la discusión , a la forma de relación humana que Marcel Duchamp describe como “El coeficiente del arte”.<br><br>Descripción de imágenes:<br><br>&nbsp;1) Imagen perteneciente a performance, momentos antes de lanzar poema al río.<br><br></div><div>2-21) Screenshots of audiovisual piece <strong>UNA CARTA DE AMOR PARA UN RECUERDO EMOCIONAL<br></strong><br>&nbsp;22-23) Chilean poetry in a Stone.<br>&nbsp;&nbsp;<br>&nbsp;24) Sketch.<br><br>25) BAR for&nbsp; love.&nbsp;</div>

Delirio de Primavera.

<div><strong>“La fatiga de San Jorge</strong>” del artista José YISA es un trabajo presentado durante el año 2011 en el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile en el cual mediante la sustracción de un&nbsp; hito arquitectónico de la ciudad, la Iglesia Ortodoxa de San Jorge, propone la utilización simbólica de los espacios públicos que el artista reconoce en sintonía con las movilizaciones de reivindicación colectiva del último tiempo.<br><br></div><div>Pintura y gastado sobre lona, pilar de pino 4x2mt2, 5T bolón de río, Sup, 70,7mt2&nbsp;<br><br></div><div><br><a href="https://www.joseyisa.com/textos/la-fatiga-de-san-jorge-e5048fa4-521a-4543-913f-2a78dea356f5">Texto y Descripción de imágenes </a><br><br><br></div>

LA FATIGA DE SAN JORGE

<div><a href="http://artishockrevista.com/2016/09/07/migracion-especulacion-economica-malinche-yisa/">Para leer PINCHA AQUÍ</a></div>

 MALINCHE 

Revista Artishock , 2016.

<div><strong>“Nuevo Mundo, </strong>Latin Amercican Street Art<strong>”,</strong> <br>Editorial Gestalten, Berlin, Alemania. 2011. <br>Autor: Maximilian Ruiz<br>ISBN: <strong>&nbsp;</strong>978-3899553376</div><div>Se podría argumentar que los artistas callejeros más innovadores de la actualidad provienen de América Latina. Los estilos visuales únicos de Os Gêmeos, Bastardilla, Vitché, Saner; Jorge Rodríguez Gerada y otros no solo son muy respetados en la escena artística internacional, sino que su trabajo también ha sido exhibido en museos de renombre como el Tate Modem y la Fondation Cartier. Nuevo Mundo es el primer libro que proporciona una documentación completa del arte callejero actual en América Latina al explorar el espectro completo de vibrantes escenas regionales en su impresionante diversidad. El libro está estructurado en capítulos que presentan el trabajo de artistas consagrados y nuevos talentos prometedores de Argentina, Brasil, Centroamérica, Chile, Colombia, Cuba, Ecuador, México, Paraguay, Perú, Uruguay y Venezuela.&nbsp;</div><pre><br></pre>

Libro, 2011.

NUEVO MUNDO, Latin American Street Art

<div>&nbsp;"La instalación se arma con restos de una sociedad a la deriva. Una obra sobre la desesperación y la esperanza. <br>Guiligan fue un náufrago más del capitalismo encallado en una playa paradisiaca durante el viaje hacia el sueño (sud)Americano del progreso. Un sueño que anteriormente era precario, y que ahora es pobre."<br>Galeria Tajamar 2013<br><br>Guiligan es una instalación de sitio especifico creada para el espacio octogonal y cristalizado de Galeria Tajamar, esta pieza se adjudica el espacio dede lo físico&nbsp; dado por la escenografía pobre que vemos y su caracter sonoro dado por un constante e insidioso sonido de gaviotas que resuenan desde un amplificador de guitarra desde donde sin parar pregona este sonido, el cual en su momento de la colonia invasiva alegraba a&nbsp; marineros que padecían el escorbuto y su muerte de hambre. <br>Así la instalación se desarrolla en dos momentos constantes que resuenan y finalizan con la parodia del mismo nombre que cita una serie de TV que en sus ambas versiones originales planteaba las desavenencias de un grupo de Yankis blancos quienes en una tormenta quedan varados en una isla paradisiaca que a la vez es su cárcel, una paradoja directa entre la decadencia del sistema occidental capital y de cultura, poniendo al mismo tiempo en cuestión las formas de producción y de hacer arte como el resultado de una practica misma de pensar y de cuestionar la producción de mercancías. <br><br><a href="https://www.joseyisa.com/textos/guiligan-fa5f43d6-0a9f-44d5-8aae-7d462033941f">Texto.</a></div><div><br></div>

GUILIGAN

<div>Cápsula sobre pieza El Robo de Hispano América realizada por el director Felipe Ríos en co dirección con el artista Jose Yisa el año 2015 y presentada ese mismo año en La Bienal de Artes y Nuevos Medios "BVAM", Santiago de Chile.<br><br><br><a href="https://vimeo.com/334647105">ENLACE</a></div>

Capsula, 2015.

ERHA 

<div>“No creo que nadie conozca el paraíso, porque los paraísos están basados en mentiras.”<br><br>Paradise, The Stranglers, 1982.<br><br>Utopía y paraíso no tienen por qué resultar términos sinónimos.<br><br>Los comerciales de constructoras, inmobiliarias y bancos así nos lo representan.<br><br>De hecho, la historia demuestra lo contrario, enseñándonos que la mayoría de utopismos no han resultado en absoluto el paraíso de progreso, igualdad y bienestar estructural e ideológico que pretendían establecer para sus miembros. O, para ser más técnicos, la utopía normalmente llega a ser distopía, utopía indeseada donde la realidad transcurre en términos opuestos a los de una sociedad ideal, frecuentemente emplazada en el futuro cercano donde las consecuencias de la manipulación y el adoctrinamiento masivo –generalmente a cargo de un Estado autoritario, totalitario o directamente dictatorial- conducen a sus ciudadanos a un control represivo y absoluto, la manipulación y la eliminación de todas libertades e incluso y justificadamente la desaparición y exterminio de sus miembros bajo una fachada de benevolencia.<br><br>Paraíso. Del mismo modo, los paraísos siempre ofrecen una imagen de idealismo bajo la pátina del placer per se (imaginemos un resort all inclusive, por ejemplo) seduciéndonos con sus atracciones y saciando nuestras pulsiones para finalmente convertirse, tras un breve período de tiempo, en una mera ilusión de felicidad. Y de buscar la utopía huyendo del paraíso (y de su minisociedad de locos náufragos) Guilligan podría acabar encallándose como un náufrago a orillas de una playa que, por sus características espacio temporales podría ser cualquier playa, de cualquier territorio o isla, de cualquier paraíso individual o paraíso colectivo con MacDonald´s y pornografía, cerveza holandesa, poleras compradas en viajes (o en la tienda china de la esquina), o, más concretamente, en el no-lugar en el cual nos encontremos (o no, porque no existe) y que a la manera clásica del término u-topos (no lugar) sencillamente nunca existió y por tanto designa una localización inexistente o imposible de encontrar. O sencillamente podría acabar a la deriva, como el capitalismo que transmutó su ADN y que necesita como un remedio más a la pandemia de la soledad. Tomás Moro contextualizó Utopía como una isla perdida en medio del océano cuyos habitantes habían logrado el Estado perfecto: un Estado caracterizado por la convivencia pacífica, el bienestar físico y moral de sus habitantes, y el disfrute común de los bienes. Y, paralelamente, certificó la imposibilidad de su existencia.<br><br>Pero fijémonos ahora en la balsa. La imposibilidad de la utopía en el no-lugar por antonomasia: la balsa de salvamento o la isla personalizada que se mueve. Lo más lejano al paraíso. ¿Por qué aquí?...¿Por qué ahora?...por la idea del espacio galerístico como una pecera donde presentar esta realidad humorística pero trágica de un sociedad en decadencia. En sí misma la balsa es una cárcel abierta donde los presos no pueden escapar si no quieren ser devorados, un panóptico sin vigilante ni vigilado, una liberación frustrante, un noparaíso de ilusión vehículo hacia una utopía ingobernable, el mensaje de una idea, la escena de un acto de supervivencia por canibalismo como en el boceto no desarrollado de La Balsa de la Medusa (1819) de Théodore Géricault.<br><br>Esta obra resume el grito de una generación por recuperar la conciencia de clase con utópico pensamiento emancipatorio. Yisa arma esta instalación con restos de una sociedad a la deriva. Una obra sobre la desesperación y la esperanza. Una pieza sobre la única posibilidad que le queda al desdichado náufrago (aunque paradójicamente haya sido abandonada y esté desierta), el catálogo de las frustraciones y perversiones de un ciudadano, de una ciudad, y de un país que sólo mira al mar como vía de escape. Y también y principalmente, la sublimación de la paradoja: no sólo es el no-lugar, es el no-paraíso, pero sobretodo es el no-tiempo, la ucronía, lo que no está en ningún tiempo dado su carácter desmemoriado.<br><br>¿Dónde está el infortunado Guilligan?...¿Por qué se subió a esa balsa?...¿Intentó huir y fue devorado?...¿Se devoró a sí mismo?...<br><br>Fue un náufrago más del capitalismo encallado en una playa paradisiaca en un viaje a la deriva hacia el sueño (sud)Americano del progreso.<br><br>Un sueño que anteriormente era precario, y que ahora es pobre.<br><br>César Novella Alba Historiador del Arte<br><br>Ficha técnica de las imágenes:<br><br>1) Invitación a exhibición .<br><br></div><div>2-7) Pieza <strong>GUILIGAN</strong> / Instalación objetual sonora, pieza de sitio especifico, cartones, madera cámaras de auto infladas, soga , sacos de urea, basura y grabación de gaviotas sonando por alto parlante.</div><div><br><br><a href="https://vimeo.com/manage/videos/134669599">Registro audiovisual</a><br><br></div><div><em>This piece resumes a generation’s cry for recovering the conscience of class, with an utopian and emancipatory mind.The installation is configured with the leftovers of a society adrift. A piece about desperation and hope. It was one more of Capitalism’s shipwrecks, agrounded in a paradisiac beach, during the journey to the (south) American dream of progress. A dream that used to be precarious, and now, is just meager</em></div>

Por Cesar Novella Alba

<div><a href="https://elsafari.wordpress.com/2016/03/28/yisa/">Enlace</a></div>

Entrevista

Revista EL SAFARI, 2016.

<div><strong>Arte Callejero en Chile </strong><br>Editorial Ocho libros, Santiago de Chile, 2011.<br>Autor:&nbsp; Rod Palmer<br>ISBN: 978-956-335-064-7<br><br>A partir de ciertos hitos sociales ineludibles como el mural que Siqueiros que pinto en Chillan en los años 40 o la efervescencia política que dio vida a la Brigada Ramona Parra a finales de los 60, el británico Robert Palmer propone un vertiginoso recorrido por la historia de la pintura callejera en Chile que llega hasta nuestros días.&nbsp;</div><div>Como ningún otro, este volumen se concentra en la escena grafitera actual realizando un cruce entre la estética, el pensamiento y la vida de los jóvenes que hoy, spray en mano, disuelve las fronteras que tradicionalmente han separado la alta y baja cultura en el entramado urbano.</div><div><br>&nbsp;La creación de artistas como Inti, el odio, Charquipunk, Yisa&nbsp; entre varios otros artistas han proliferado por Valparaíso, Santiago, Tocopilla, Concepción, Temuco, Arica y Puerto Montt pero también se encuentran en São Paulo, Buenos Aires o Barcelona. Arte callejero en Chile desafía el concepto tradicional de la pintura, entrego una medida de este circuito verdaderamente globalizado y , por lo mismo se alza como un mapa de límites insospechados.</div>

 ARTE CALLEJERO EN CHILE

<div><a href="http://artishockrevista.com/2015/07/13/yisa-mato-merma/">Para leer PINCHA AQUÍ</a></div>

 MERMA 

Revista Artishock  , 2015

<div>Registro de pieza EL ROBO DE HISPANO AMERICA presentada en la exhibición Bi personal titulada MERMA, realizada el año 2015 en el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile.<br>Registro audiovisual realizado por Santiago Correa.<br><br></div><div><a href="https://vimeo.com/manage/videos/134660923">Enlace</a></div>

Registro, 2015.

 MERMA

<div>La Antropología es la ciencia que se encarga de estudiar la realidad del ser humano, analizando&nbsp; en el contexto social y cultural de la que forma parte.&nbsp;</div><div>“Simbología de lo Ajeno”, es una pieza que se presenta ante el espectador como un hallazgo antropológico , una talla en piedra&nbsp; con simbología&nbsp; nos permite viajar en la idea de la significante de tal concepto, y no deja de ser cierto pues la urbe cual paisaje es vista como presa por parte de un grupo de la población la que demuestra la “astucia” a la que se recurre en pos de lograr la sobre vivencia y el bien capital tan ansiado por el sistema que nos educa. Generando así códigos propios que permiten la distinción de tipos de propiedades habitacionales&nbsp; y sus cualidades, transformando un acto fortuito en uno&nbsp; estudiado, Y No es así acaso como funciona el mercado, la “auto regulación capitalista”, la voracidad de los mercados internacionales en nada se diferencia a la astucia demostrada por tales códigos delictuales, entonces así comprendemos que esta pieza de carácter antropológica nos hablan de consecuencias sociales propias de un sistema imperante en el cual la sobre vivencia de la astucia solo es superada por la del mas fuerte.&nbsp;</div>

SIMBOLOGÍA DE LO AJENO.

<p><strong>De Jimy Buton Serie</strong> consiste en una producción enmarcada &nbsp;dentro de un cuerpo de investigación mayor titulado “Solo Aguanta Por el Silencio”</p><p>Dicha investigación consiste en un proceso <em>de estudio desarrollado entorno a la identidad y orígenes de la historia política, económica y cultural de lo que llamamos Latinoamérica “ABYA YALA”.&nbsp;</em></p><p><em>Así mediante mi imaginario pictórico y de recolección de objetos desarrollo piezas que recoge los distintos aspectos del colonialismo en la historia territorial y cultural de “NUESTRA AMÉRICA” ; la pregunta por nuestro origen e identidad , la violación y la imposición de dominios extranjeros a lo largo de la historia , la bastardía y el mestizaje &nbsp;son los aspectos que se sintetizan en este proyecto.&nbsp;</em>Desarrollando un un proceso de archivo de carácter identitario y etnográfico que genera una producción en la cual el posicionamiento político pasa por la recuperación de raíces o alusión a estas.</p><p>En particular <strong>De Jimy Buton Serie&nbsp;</strong>consiste en la realización plástica de una propuesta conceptual desarrollada mediante una producción visual &nbsp;que tiene por piedra angular los registros &nbsp;fotográficos existentes sobre la Etnia Selknam (Indígenas del sur de ABYA YALA), imágenes que &nbsp;que retratan la caza de indígenas y los zoológicos humanos, atrocidades permitidas y fomentadas por las jovenes Republicas de Chile y Argentina, &nbsp;en pro de la colonización y la economía local. Estas practicas genocidas llevaron a la extinción de este pueblo originario del continente.</p><p>Pero que son estas fotos?, &nbsp;si no un archivo del genocidio o fotos a modo de retratos costumbristas posados para la misma, retratos realizados en campos de concentración donde los &nbsp;pocos habitantes de esta etnia sobrevivientes murieron al tiempo.</p><p>Dichos “ARCHIVOS”, son puestos en yuxtaposición con la representación publicitaria del indígena, generando mediante esta superposición un cuestionamiento a los modelos de representatividad, &nbsp;al mismo tiempo que &nbsp;generando una denuncia política.</p><p>Así el punto de origen de estas investigación y posterior producción &nbsp;esta determinado por la capacidad de representación y &nbsp;como estas &nbsp;construyen realidades particulares que artificiamos como verdades o únicas impuestas y perpetuadas hasta el día de hoy.</p><p>Como planteó Octavio paz</p><p>"Occidente , se ha identificado nada menos que con el tiempo; Lo a raptado junto a la noción de civilización, calificando cualquier otro modelo social de atrasado".</p><p><br></p><p>Dicha producción esta compuesta por:</p><p>-Serie de Dibujo y traspaso fotográfico obre papel de algodón e &nbsp; intervenida con aceite quemado (imagen 3-9), 38cm x 25cm c/u, 2019.</p><p>-Intervención pública de cartel publicitario en Barcelona (imagen 10-12)</p><p>-Serie de Dibujo y traspaso fotográfico obre papel de algodón (imagen 13-17), 38cm x 25cm c/u, 2019.</p><p>-Díptico Dibujo borrado con aceite quemado y frase de Galeano borrada tb (imagen 20-21),2.8m x 1m y 1.6m x 1.1m, 2019.</p><p>Risografía en dos colores en &nbsp;papel libre libre de acido 250 gr (imagen 22), 29cm x 21cm, 2019.</p><p>- Imagen 23, &nbsp;de caza de indígenas</p><p>- Imagen 24, &nbsp;de captor e indígenas previo a zoológicos Humanos</p><p>-Imagen 25, Portada de &nbsp;una &nbsp;de las versiones del libro de Jimmy Booton.</p><p><br></p><p>El titulo se debe a la historia de “Jimmi Booton” que cuenta la historia de un aborigen yagan de la tierra del fuego que a cambio de un botón es tomado y alejado de &nbsp;su tierra y llevado a bordo de un barco a Inglaterra donde a modo de experimentación evolucionista es sometido a una educación europeizada en un afán de ver las capacidades evolutivas y cognitivas de este espécimen (en palabras de las redacciones de los libros), así mas tarde es devuelto a su tierra de origen en Tierra del Fuego donde este personaje ya mestizado y castrado de sus valores se ve imposibilitado de reconectar con sus anteriores pares, para mas tarde este mismo dirigir una revuelta indígena donde se venga por su rapto y ataca y asesina a sus captores.</p>

<div>Fanzine realizado por <a href="https://edicionesdaga.com/">Ediciones DAGA</a></div>

Fanzine, 2011

DAGA

<div>Registro audiovisual sobre la exhibición OPERACIÓN SIGLO XX, realizada en Galeria MUTT el año 2015.<br>Registro audiovisual realizado por el Director Felipe Ríos y montado por Nicolas Lira.<br><a href="https://vimeo.com/manage/videos/262809637">Enlace</a></div>